A la mi-mars, nous découvrions le live audiovisuel de la nouvelle tête de la scène électronique française. Dans le cadre de la première édition du festival Sous le Radar, qui s’est déroulée au Point Ephémère, sur les coups de minuit, ABRAN s’emparait de cette scène mythique, qui longe le canal parisien. S’il ne nous était en aucun inconnu au bataillon, c’était néanmoins la toute première fois qu’on allait assister à un de ses lives. Evidemment, on a beaucoup aimé.
En novembre dernier sortait Fram, le premier EP du producteur français, dont nous n’avons pas fini d’entendre parler. Le nom ABRAN ne te parait pas « nouveau » ? Ce n’est pas si étonnant : peut-être l’as-tu déjà vu en première partie du (très) grand Arnaud Rebotini ? Ou bien était-ce plus récemment dans le cadre des Inouïs du Printemps de Bourges ? Qu’importe, la scène électronique se l’arrache de plus en plus. Et pour cause ! Inspiré par Parra for Cuva ou Jon Hopkins pour ne citer qu’eux, ABRAN a ce don de nous faire voyager tant musicalement que visuellement.
C’est d’ailleurs ce qui fait sa force.
La musique d’ABRAN est en constante évolution, et ce pour notre plus grand plaisir. Alors que ce dernier a pour but de construire une expédition musicale et visuelle, il ne cesse d’aller plus loin dans sa musique. Le 17 mars, il nous offrait une nouvelle facette de son univers, en publiant l’EP de remixes de Fram sorti sur Relief Records, label qu’il créé aux côtés de son bras droit, Lydsten.
Accompagné par quatre artistes, à savoir Nuage, Bottler Sad, Toh Imago et Glückskind, ce mini disque ouvre une nouvelle fenêtre de voyage, apportant une atmosphère qui diffère de l’originale. Si on voyait ABRAN sur scène il y a moins d’un mois, on demande déjà à voir ce qu’il nous réserve pour la suite. 2023, c’est son année.
Qu’il est beau de voir les artistes évoluer, s’imposer dans le monde musical, grandir… et sortir leur tout premier long format. C’est aujourd’hui le cas de Fils Cara signé chez Microqlima (soit dit en passant un de nos labels préférés), qui sortait vendredi dernier Amaretto, un premier album qu’il fait du bien d’écouter.
Alors qu’on le découvrait il y a maintenant quelques années avec son titre Nanna, il nous était obligé de suivre son évolution et son actualité. Entre 2019 et 2023, il n’y a qu’un pas… énorme que l’auteur-interprète a su emprunter pour en arriver là où il en est, avec toujours autant d’humilité et une évolution artistique épatante.
A travers Amaretto, Fils Cara met à l’honneur ses origines Siciliennes en présentant onze titres enivrants, qui nous feront danser comme revoir le monde d’une nouvelle manière (soit tout ce que nous recherchons à travers la liqueur italienne).
Mélangeant une pop solaire à de douces ballades, Fils Cara propose un disque d’une grande authenticité accompagné de son son habituelle humilité. Serait-il chanteur ? Poète ? Ou bien les deux en même temps ? Après l’écoute de cet album, nous n’avons plus aucun doute : Fils Cara chante des choses simples avec habilité, chante l’amour et la beauté du monde en faisant de ses chansons des poèmes, portés par une musique reconnaissable parmi tant d’autres, qui n’appartient qu’à lui.
Amaretto est un disque d’une grande beauté. On l’écoute une première fois, puis une seconde, et le temps semble s’arrêter. On commence alors à réécouter on ne sait combien de fois certains titres, comme Bébé dort sous la boule à facettes ou Mon plus beau costume, pour une seule et unique raison : c’est beau. Voilà tout.
Si Fils Cara sort « seulement » maintenant son premier album, nous sommes déjà persuadés par le fait qu’il saura toucher toute personne qui l’aura en sa possession.
L’ascension de Fils Cara ne fait que commencer.
Amaretto, maintenant disponible. En concert à La Maroquinerie, le 2 mai.
Certains artistes nous marquent des années en arrière, et reviennent d'un jour à l'autre sur le devant de la scène. C'est à ce moment là qu'on se rend compte que ces Artistes avec un grand A, continuent d'évoluer, en empruntant une direction encore plus jolie que précédemment.
Awir Leon en est l'exemple parfait.
Découvert sur une scène dite lambda dans le 95 il y a maintenant plus de cinq ans, se fut une joie immense de voir qu'un nouvel album était prévu pour cette année. Après avoir sorti les clips de Coming Home et de Stars, puis il y a 24 heures celui de A Million Other Days, il était grand temps pour Musicaléomentvotre d'aller à sa rencontrer. Si au premier abord cette interview peut paraitre classique, je me suis rendu compte qu'elle ressemblait surtout à une conversation à cœur ouvert, comme on en a peu faite.
Alors que la sortie de son troisième album, Love You, Drink Water approche à grands pas, rencontre avec un des artistes qui ne quittera pas de si tôt nos écouteurs.
C’est l’heure de l’interview.
MUSICALÉOMENTVOTRE : Salut François, comment est-ce que tu vas ? AWIR LEON : Ça va très bien ! Je suis content que l’album sorte enfin, content d’avoir les concerts qui vont avec la sortie. Ça fait du bien de tout enclencher.
M : C’est un très bel album, c’est super comme retour ! A.L : Merci !
M : Pour continuer dans les questions un peu « basiques », est-ce que tu peux te présenter pour ceux qui ne te connaissent pas encore ? A.L : Bien sûr. Je m’appelle Awir Leon, je suis musicien, beatmaker, producteur, performeur et danseur. Je suis français mais installé à Amsterdam et je sors mon troisième album le 24 mars.
M : J’aimerais qu’on fasse un petit retour sur d’où tu viens. Pourquoi Awir Leon ? A.L : Léon c’est mon deuxième prénom, celui de mon grand-père, et que j’ai pris à l’origine quand j’ai lancé mon projet en solo. À la base j’étais dans un groupe, Unno, que tu connais ! Après avoir lancé mon projet solo sous le nom de Léon, j’ai eu un pote gallois plusieurs années plus tard qui, quand il parlait avec ses parents au téléphone, m’a fait aimer le langage welsh, je trouvais ça fascinant. Je lui ai donc demandé des mots en welsh, dont Awir qui veut dire « ciel et air ». Je ne l’ai pas vraiment pris pour la signification, mais surtout parce que j’adorais le mot.
M : C’est beau ! Tu disais au début que tu étais à la fois musicien et danseur, art par lequel je t’ai découvert il y a quelques années maintenant… A.L : Ah ouais ? Avec quoi ?
M : C’était lors d’un spectacle à Saint Gratien (95) où tu faisais la musique d’un spectacle de danse, en live. A.L : C’était Sunny ! Trop bien !
M : C’était génial ! Et j’en profite pour en apprendre plus sur toi, et sur le lien que tu as avec l’art de manière générale ? A.L : C’est beaucoup lié à ma mère qui a créé une école de danse dans le Nord, quartier où j’ai grandis. Elle n’a jamais été danseuse mais a toujours été passionnée et a voulu enseigner la danse et la rendre accessible dans le quartier. Il y avait des cours de qualité et ça a vite grossi ! À partir d’un moment, la municipalité l’a aidé et une école de musique a été créée au-dessus de l’école de danse. Donc avec mes frères et sœurs on a grandi là-dedans : ma mère donnait des cours jusqu’à 23h00, on squattait ! On avait de la chance car on avait accès à tous les instruments, et c’était le quotidien… au lieu de squatter dans le quartier *rires*. C’est mon lien de base. J’ai une famille polonaise et on est tous un peu comme ça. J’ai l’impression qu’il y a un gros lien avec l’art. En tout cas, lors de nos fêtes de famille il n’y avait jamais de CDs, c’était toujours mon grand-père, ses cousins, qui sortaient des instruments et jouaient en live pendant douze heures d’affilée.
M : Gros concert ! A.L : Carrément ! La musique était tout le temps présente. À la base j’étais surtout passionné de musique, je ne dansais pas quand j’étais enfant même si j’étais exposé à la danse. Je n’ai pas assumé avant mes 16 ans de danser au milieu du quartier, c’est toujours compliqué pour les gars… Mais ça s’est débloqué.
M : C’était un peu la suite logique d’en faire toute ta vie, finalement. A.L : Carrément ! Et c’est marrant car on est tous passés par là avec mes frères et sœurs, mais je suis un peu le seul à être resté dans ce milieu-là.
M : Tu parlais de Unno, qui était un trio. Je vous ai vu en concert, je ne me rappelle plus où ni quand c’était, mais j’ai été marquée par une reprise de Sunny, que j’écoute encore beaucoup aujourd’hui… est-ce que tu peux nous parler de cette époque ? A.L : Ce trio a commencé par un duo avec Joachim. À cette époque je faisais que des instrus pour des rappeurs, avec quelques chansons timidement, et Joachim était plutôt beatmaker ; j’ai commencé à rapper sur ses instrus qui étaient et sont toujours mortelles. Au fur et à mesure, on a appris à se connaître et on s’est rendu compte qu’on avait tous les deux beaucoup d’influences au-delà du rap et ça s’est vite étendu à d’autres genres : de l’électro, de la soul, de la bossa nova… tout ce qu’on avait en commun. Deux ans après on a rencontré Abraham, qui est aussi un beatmaker, chanteur, compositeur. Il nous a rejoint et ça a encore plus augmenté le nombre d’influences et nos envies. C’était un joyeux bordel *rires*.
M : Et pour parler des influences justement, quelles sont les tiennes ? A.L : Il y en a beaucoup… ! Il y a un album que je cite tout le temps car il est dans ma vie depuis très longtemps : Mama’s Gun d’Erykah Badu. Ou encore Voodoo de d’Angelo… c’est un peu les albums qui tiennent. Après, en étant ado j’ai beaucoup été influencé par Mos Def, encore Erykah Badu, J Dilla. Et de là je suis parti vers des beatmakers comme Flying Lotus qui ne faisaient pas que des sons pour des rappeurs mais qui sont devenus des entités en elles-mêmes, ce qui m’a ouvert vers des choses plus électroniques comme James Blake ! Ces dernières années, les grosses influencent que je peux citer vont de Franck Ocean à Radiohead, en passant par Jimmy Hendrix différemment…
M : Tout un package ! A.L : Ouais ! Et là, je ne vais pas te mentir, ça doit faire deux ans qu’à la maison je n’écoute que de l’afro-beat *rires*.
M : Ce qui permet une ouverture vers quelque-chose de nouveau… A.L : C’est sûr que ça va commencer à déteindre sur moi *rires*. Et puis, je ne vois pas vraiment l’intérêt de se limiter dans quoi que ce soit. Même jeune, je ne me suis jamais revendiqué d’un genre, même quand je n’écoutais que du rap. Ça reste ma base culturellement mais ce que je fais aujourd’hui est loin de ça. Ça l’est dans l’esprit mais pas forcément dans la forme.
M : Disons que quand tu as la possibilité de tout faire, autant en profiter et se lâcher. A.L : C’est clair.
M : Pour revenir encore plus dans le passé, tu composais à l’époque de la musique pour des compagnies de danse, dont Emmanuel Gat. Comment tu arrivais à lier ta musique, avec Unno et en solo, et en même temps continuer d’accompagner la compagnie ? A.L : Là je compose toujours pour des pièces de danse, notamment avec Amala Dianor, et ça prend du temps mais j’adore ! Il y a une certaine liberté, des choses que tu peux faire dans une bande son que tu ne peux pas forcément faire dans la musique pop, notamment avec des textures. Il y a vraiment ce plaisir-là de répondre à ce que je vois et à la demande du chorégraphe, de donner ma lecture de la pièce en plus de ce qui a été écrit. Pour moi, c’est vraiment différent et c’est un peu l’endroit où j’expérimente le plus. Les projets se nourrissent, mais c’est vrai que ça prend du temps.
M : J’imagine bien. Enfin, parlons maintenant de ce troisième album, qui sort donc le 24 mars. J’ai ouïe dire que tu avais écrit et composé certains titres lors d’une certaine tournée, pendant laquelle tu étais en première partie des concerts de Woodkid. Je voulais savoir comment s’était passé cette tournée, et surtout ce que tu as ressentis lorsque tu jouais tes titres devant un public qui te connaissait… ou pas du tout. A.L : Oh là ! La tournée de Woodkid était absolument mortelle ! On est entrés en contact en 2017 après mon premier album Giants. Il est tombé sur l’album, il m’a contacté et on a fait du son ensemble plusieurs fois. Et puis à un moment il m’a proposé cette tournée, qui a été décalée avec le Covid mais qui a fini par se faire. Pour moi, c’était une tournée en étant dans son groupe mais aussi en tant que première partie, j’ai surkiffé. Jouer dans le groupe c’était génial, et pouvoir montrer ma musique avant, dans des salles énormes auxquelles je n’ai pas encore accès, c’était fantastique. Beaucoup de gens ont découvert le projet grâce à cette tournée, j’ai rencontré beaucoup de monde et ai pu expérimenter le fait de jouer dans des grandes salles. Ça te fait regarder la musique différemment, avoir une nouvelle approche de la composition ; c’était vraiment constructif.
M : Vous aviez fait combien de temps de tournée ensemble ? A.L : En tout on a fait deux ans. On avait compté, ça tournait autour de 80 dates ! Et puis… tu jouais dans l’acropole d’Athènes *rires*, c’était une salle et un public mortel, qui était vraiment là pour la musique. Pour répondre à ta question sur les tracks de l’album, en fait il y a eu trois paquets de morceaux dans l’album. Un premier qui a été écrit comme les deux albums précédents, c’est-à-dire moi, seul à la maison, avant de passer en post-production avec mon équipe et mes potes de base. Ma clique quoi ; mais ces morceaux partent vraiment de moi. Il y a eu une seconde phase qui est venue de la tournée de Woodkid, j’ai écris des morceaux pour le live… et le fait que la tournée ait été décalée finalement c’était bien car une fois arrivée, je n’avais plus du tout envie de jouer les sons de l’album précédent, Man Zoo. J’avais envie de nouveau et je continuais d’adapter au fur et à mesure des lives. Du coup, les morceaux qui sont dans l’album sont les morceaux approuvés par le live *rires*. C’est génial car à l’époque, c’est comme ça qu’ils faisaient : d’abord tu jouais les morceaux sur scène, et seulement après, tu les sortais (et ce processus-là a vachement de sens…). Il y a eu une dernière phase de morceaux qui viennent d’une semaine de studio où j’étais avec la même équipe. On s’est tous calés avec un instrument, comme un groupe traditionnel. On écrivait le morceau et on l’enregistrait en une prise ; c’était une semaine tellement productive qu’il y a la moitié de l’album qui a été écrite pendant cette semaine.
M : C’est ouf. Il y a aussi un morceau dans cet album que tu as sorti il y a quelques temps… A.L : Anthem Grey !
M : Exactement ! Pourquoi avoir choisi de mettre ce titre là et pas un autre ? A.L : Il fait partie de cette génération de morceaux là pour moi. La raison pour laquelle il y a eu tellement de distance entre la sortie de ce titre et le reste, ce n’était pas vraiment artistique, c’était plutôt chiant *rires*. En tout cas, artistiquement pour moi, il appartenait à cet album-là.
M : Donc il est dedans ! J’aimerais bien aussi qu’on revienne sur le titre de ton album, Love You, Drink Water, qui peut paraitre anodin… mais pas tant que ça. A.L : L’histoire est trop mignonne. J’ai fait un post d’ailleurs sur Instagram où j’explique l’histoire, et tout le monde commente « Oh c’est trop mignon » etc…
M : Oh c’est mignon, on va acheter *rires* ! A.L : *rires* L’histoire est très simple en fait. Ma nièce Viola avait trois ans à l’époque, je la gardais et quand ses parents sont venus la chercher elle m’a dit « Love you, drink water ». C’était à un moment de ma vie où je n’étais pas au mieux de ma forme ; ça m’a touché par rapport à tout ce qu’il se passait dans ma tête. C’était une sorte d’éclair de simplicité et de clarté auquel je me suis beaucoup accroché après. Il me semble que j’avais terminé d’écrire l’album quand elle m’a dit ça, et c’est devenu une espèce de mantra que je voulais répéter au gars que j’étais pendant que j’écrivais l’album : prend soin de toi, quoi.
M : Et par rapport à l’album, tu as déjà sorti deux singles et deux clips : Coming Home et Stars. On ressent tout le temps la notion de mouvement, que ce soit dans la voiture ou en dansant, ce qui fait d’ailleurs ta « marque de fabrique ». Comment tu analyses cette notion ? A.L : Je pense que même inconsciemment je fais tout le temps des morceaux pour danser, même si ce n’est pas toujours une évidence, que ça nous fait danser d’une autre manière. Il y a tout le temps du mouvement dans mes morceaux, aussi par rapport au fait de voyager, même si c’est juste marcher dans la rue ou prendre le train. En tout cas quand je compose, j’ai besoin que ça me transporte quelque-part et j’ai l’impression que ça a cet effet là sur les gens aussi.
M : Oui je confirme, et c’est très beau. De qui tu t’entoures justement, pour réaliser tes clips ? A.L : Pour Coming Home, c’est Neels Castillon (qui avait aussi fait le clip de Anthem Grey) ; et pour Stars, c’est Ella Hermé. Et il y a encore deux singles avant la sortie de l’album…
M : Oh ! Ça tease ! A.L : Oui, ça arrive bientôt ! C’est A Million Other Days (ndlr : disponible depuis 24h) et Neelam Stone, avec des clips… plus ou moins *rires*.
M : Gardons le mystère ! Et alors, comment se sont passées ces collaborations, toujours pour les clips ? A.L : Avec Neels on a travaillé sur un projet qui s’appelait Mains, en Islande ; c’est à ce moment qu’on est devenu très potes et c’était une évidence. Et pour Ella, je l’ai découverte grâce à mon manager, j’ai beaucoup aimé son travail. C’est intéressant de bosser sur l’image et d’essayer de trouver quelque-chose de différent à chaque fois.
M : Pourquoi alors, sortir ces titres là en premier, pour annoncer l’album ? A.L : *silence*, c’était l’instinct. Pour Coming Home, ce n’était pas forcément prévu comme ça, et je trouve qu’en plus c’est plutôt un titre de fin d’album, mais la sensation correspondait bien au moment. Et puis c’est toujours compliqué de savoir quel morceau il vaut mieux sortir en premier, il y a tellement de styles différents dans cet album… dans tous mes albums mêmes. J’ai envie de montrer aux gens qu’il va y avoir beaucoup de styles, sans pour autant les perdre non-plus. Beaucoup de personnes m’ont découvert avec Wolf et le titre qui est sorti juste après était Anthem Grey. Je pense que si tu me découvres avec Wolf et que le truc d’après est Anthem Grey, je me mets à la place des gens et soit tu es d’accord avec un artiste qui fait ce qu’il veut, soit non. Je trouve que c’est cool de briser les barrières purement marketing. Enfin, ce serait peut-être plus facile de me vendre mais bon *rires.
M : Oui mais bon, est-ce que tu ferais vraiment ce que tu aimes ? On ne sait pas, alors autant briser les codes. A.L : Exactement ! Moi, les artistes qui m’ont fait du bien quand je grandissais et encore maintenant, c’est ceux qui ont toujours été honnêtes en faisant ce qu’ils veulent. Et je crois encore à ça !
M : Revenons sur ton public, qui continue de te découvrir. Au tout début de notre discussion, tu parlais des quatre dates qui vont accompagner la sortie de ton album. Comment tu te sens ? Pressé ? A.L : Ouais ! Là je travaille sur le set et ça va être un super bordel, j’ai trop hâte ! *rires* Le 17 mars à La Boule Noire (Paris), le 18 au Volta (Bruxelles), le 20 à Badehaus (Berlin) et le 21 au Lower Third (Londres). Ce sont mes premières dates en headline, ça va être très cool ! Je me suis toujours demandé ce que ça faisait de jouer devant des gens qui viennent te voir toi, qui connaissent tes morceaux… jusque maintenant je n’ai fait que des premières parties où le seul but est de convaincre.
M : Alors que là… A.L : C’est complètement différent. Je peux m’amuser à faire ce que je fais d’habitude en live, c’est-à-dire des versions différentes. Et là, je peux le faire tout en sachant que la plupart des gens qui seront là connaissent l’originale, donc pourront capter ce qui a changé entre les deux versions, et rien que ça c’est mortel déjà.
M : Et c’est un peu comme une mini tournée ! A.L : Grave ! Et j’espère que ça va bien se développer derrière.
M : Alors résumons : la sortie de l’album, les quatre concerts… et après ? A.L : J’espère tourner, donc que l’album sera écouté. Je suis un gars de la scène, c’est ce que j’aime faire !
M : Tu préfères la scène au studio ? A.L : J’adore les deux, mais ma vraie place, c’est la scène. Je pense honnêtement que je suis meilleur sur scène qu’en studio *rires*. J’ai tendance à beaucoup me prendre la tête, et contrairement au studio, cette sensation disparais en concert. J’adore ça. Et puis il y a aussi le chorégraphe dont je parlais, Amala Dianor. On va monter une pièce de danse et vidéo ensemble, qui sera au Philarmonie à Paris pendant Days Off. C’est trop bien ! Il va reprendre le set que je créer pour mars, et chorégraphier un solo de danse pour moi là-dessus, en faisant une vidéo en live. Donc je jouerai en même temps que je danse *rires*.
M : C’est extrêmement bien comme concept ! A.L : Ouais ! Ça faisait longtemps que je voulais faire ça avec lui donc c’est génial. On travaille aussi sur sa nouvelle pièce à lui, dont la première est en décembre et j’ai super hâte car il veut que je fasse une bande-son club. Je fais beaucoup de musique club mais que je garde un peu pour moi… alors ce sera vraiment la première. Je pense que pour les prochaines années, j’ai vraiment envie de lâcher tout ce que je sais faire. C’est possible qu’il y ait des projets plus expérimentaux, plus club… des choses vont se passer ! *rires*. Je suis très productif sur plein de choses, mais j’en ai gardé un peu trop pour moi. J’ai voulu clarifier un petit peu le message d’Awir parce qu’on disait que j’étais trop bordélique, et je ne suis pas d’accord avec ça… donc je vais aller dans l’autre-sens ! *rires*
M : *rires* c’est génial ! En tout cas j’ai hâte de tout découvrir. L’année va être trop bien ! A.L : Grave, moi aussi j’ai hâte !
AWIR LEON, troisième album Love You, Drink Water, disponible le 24 mars. En concert à La Boule Noire le 17 mars.
Zélie c'est qui, Zélie c'est quoi ?
Zélie, c'est un petit bout de femme bourrée de talent, déjà connue sur les réseaux sociaux grâce au partage de compositions et de reprises. Zélie, c'est un mélange de pop, de musique urbaine et de variété. Zélie, c'est aussi et surtout un premier EP de neuf titres, Zélie c'est quoi ?, qui sort chez Low Wood le 24 février.
Assises à travers les brouhaha d'un bar aux Buttes Chaumont en début de semaine, Zélie a accepté de répondre à quelques-unes de nos questions. On parle de jeunesse, de collaborations presque faites sur des coups de têtes, ou encore de la fame qui arrive à plein nez.
C’est l’heure de l’interview.
Musicaléomentvotre : Pour commencer, santé ! Zélie : Santé à toi aussi !
M : Comment est-ce que tu vas ? Z : Je vais très bien, de manière générale. Ça démarre tout juste, et à chaque fois qu’un média s’intéresse à moi je suis très contente.
M : Est-ce que tu peux te présenter à ceux qui ne te connaissent pas encore ? Z : Je m’appelle Zélie, j’ai 21 ans et je suis autrice, compositrice et interprète. Je fais de la pop francophone depuis deux ans ; c’est un univers qui mélange de la pop « classique » avec des pianos-voix et une petite touche urbaine dans certaines façons de poser.
M : Tu dis que ça fait deux ans que tu fais de la musique, mais qu’est-ce qui avant tout t’a donné envie d’en faire ? Z : Ça fait deux ans que le projet est plus concret dans ma tête et avec l’équipe avec laquelle je travaille… mais ce qui m’a poussé à faire de la musique c’est, comme beaucoup, cette envie d’être une star quand j’étais petite. Je faisais des spectacles à mes parents, ils m’ont offert un micro Star Academy quand j’avais 7 ans et j’ai écrit une chanson qui s’appelle Noël, pour Noël. J’ai toujours aimé l’art, en ayant fait toute une scolarité de danse étude, en ayant toujours aimé chanter, danser, faire du théâtre… J’ai commencé à composer quand des amis m’ont offert un ukulélé, pour mes 16 ans. C’est hyper simple, j’ai appris des accords sur YouTube pour apprendre à chanter Yeux Disent de Lomepal, pour ensuite chanter mes compos. En terminale j’ai découvert Garage Band et c’est trop bien car, une fois que tu connais quelques accords, tu peux tout faire.
M : Si on revient un peu sur tes influences, tant pop que urbaines, peux-tu citer des artistes ou œuvres qui t’ont inspiré ? Z : J’ai d’abord découvert la pop à travers Angèle, assez tôt dans sa carrière, à un moment ou ni moi ni mes potes écoutions de la pop française. Elle est arrivée avec des mots assez simples sur des airs entrainants et puis je suis allée la voir quatre fois en concert en me disant « ça donne envie ». J’ai ensuite découvert beaucoup de femmes qui font de la pop francophone comme Clara Luciani, Adé, c’est super inspirant ! J’écoute aussi et depuis toujours Disiz, Orelsan et Lomepal pour leurs textes et la manière de poser ; et tu vois, celle qui lie les deux c’est un peu Emma Peters, je suis une grosse fan. Et puis, ma plus grosse influence pour tout ce qui est textes « intimistes », c’est Ben Mazué : il n’y a pas un texte ou je ne me dis pas « mon dieu ». L’avoir vu en concert c’était un peu un deuxième déclic, je crois que je me suis vraiment dit que je voulais faire ça pour moi, et pas que pour faire danser les gens. J’ai envie qu’ils se disent que ma musique est monstrueusement proche de ce que je suis.
M : Et d’ailleurs je trouve que ça se ressent vachement dans ton EP, Zélie c’est quoi ? qui sortira le 24 février. Comment tu te sens ? Z : *rires* Ouah ! Là je commence un peu à m’impatienter. Je pense que quand tu commences à faire de la musique, tu ne te rends pas forcément compte du temps que ça prend ; tu composes tout le temps des nouvelles chansons, et en même temps celles que tu vas sortir sont super importantes pour toi. En vrai, cet EP c’est la moi d’il y a six mois, donc j’en suis hyper contente et fière, il me représente vraiment très bien. Il est fait de hauts et de bas, de tout ce que j’ai pu ressentir cette année.
M : Tu disais justement que là tu étais vraiment accompagnée par toute une équipe. Certains le savent et d’autres non, mais tu es d’abord passée par une période réseaux sociaux où tu t’es notamment faite remarquer avec une super reprise deAu Revoir monAmour de Dominique A. Est-ce que tu penses qu’à notre époque les réseaux sociaux sont très importants, notamment en tant que jeune artiste ? Z : Oui carrément ! C’est propre à chacun, il ne faut pas se forcer, mais ça m’a en tout cas énormément servi. Et même avant TikTok, quand la mode était vraiment Instagram ! C’est ce qui m’a permis de me faire connaître ; une fois par semaine je postais un extrait d’une compo, n’importe qui pouvait tomber dessus et les algorithmes sont intelligents… Après, il ne faut pas oublier de se focus sur sa musique, pourquoi on le fait et ce qu’on veut raconter, mais les réseaux sont étonnants. Il y a des gens qui sont bienveillants, qui comprennent ce que tu dis, qui s’identifient et ça permet vraiment de toucher autre-chose que ton premier cercle.
M : Tant que c’est utilisé à bon escient… Z : Je pense qu’il faut trouver la bonne manière d’être soi-même, ce qui est compliqué mais pas impossible. Moi je tombe sur un milliard de choses différentes, et je me dis que chacun y trouve sa place.
M : Justement, après la sortie de compos et de reprises sur les réseaux, place à l’EP. Tu sortais tout début décembre un nouveau titre, Zélie c’est quoi ?. Est-ce que tu l’as sortie comme si c’était une carte de visite, avant de déballer la vraie Zélie ? Z : Carrément même si je ne considère pas encore que l’EP réponde à la question, car il parle beaucoup de questionnements. Mais j’ai sorti ce titre un peu en « avant-première » car il est très différent de ce que je faisais jusque-là ; avec Zélie c’est quoi ?, j’assume le côté avec un peu de débit et les kicks dans les couplets. Ça faisait longtemps que je voulais me séparer un peu de la « pop classique », c’est une manière de dire que la suite ne ressemblera pas forcément à ça, et que je ne vais plus ne parler que d’amour. En ce moment je n’ai pas trop envie d’en parler, car tout va très bien pour moi… je ne souffre pas et n’ai plus rien à dire ! *rires*. Donc, c’était clairement une façon d’introduire le titre de l’EP, de montrer qu’on parlera de moi, de qui je suis au sein d’un projet… suis-je un projet ? Ou une personne ?
M : Tu abordes plusieurs thèmes dans ce disque, notamment l’amour, la jeunesse, les questionnements qu’on a tous à nos âges. Et tu parles aussi de la « fame ». Tu la vois et vis comment, toi ? Z : Ça m’inquiète pas mal car les gens ne s’identifient pas forcément : tout le monde ne veut pas devenir célèbre. Je me suis demandé comment je pouvais en parler dans les chansons, c’était un peu un défi pour ne pas passer pour l’artiste qui raconte sa vie… mais je crois que ça m’aide vraiment d’en parler, ça me fait garder les pieds sur terre. C’est vrai que ça me stresse un peu, j’ai peur que mon projet prenne énormément de place et que je ne sache plus comment profiter des plaisirs de la vie, de mes proches, de ma famille, de mon amoureux. Quand j’écris, je pose plein de choses et de questionnements, ce qui concrétise ce que je ressens… et je me dis qu’en vrai, ça va.
M : C’est une des choses que j’ai notés. Ton EP c’est à la fois une carte de visite, et à la fois on apprend beaucoup d’e choses d’un coup sur toi. Mais, pas tout non-plus car il faut garder du mystère… Z : *rires* et encore, il n’y en a pas beaucoup !
M : Tant mieux ! À un moment je me demandais quelles pouvaient être tes influences, mais en réalité je pense que tu es ta propre influence. Tu parles de toi, de ce que tu connais et de ce que tu vis. C’est un peu comme si tu te livrais comme dans un journal intime, mais en musique. Z : C’est exactement ça ! Quand je dis le mot « journal intime » j’ai l’impression de sonner comme un cliché, mais en vrai est-ce que ce n’est pas le fil conducteur de chaque artiste ? Par exemple, je ne suis pas très forte pour écrire sur les histoires des autres, j’essaye car je ne peux m’inspirer que de moi-même, je n’ai pas tout vécu, mais pour l’instant le plus facile pour moi est d’analyser ce que je ressens et de l’écrire à ma manière. Je ne suis pas Bigflo et Oli qui eux sont très forts pour parler des problèmes de société, etc…
M : Et puis il faut aussi avoir du vécu. Z : Mais oui, et peut-être qu’à un moment je n’aurai plus rien à écrire sur moi. J’ai hâte d’avoir un enfant aussi, pour pouvoir écrire dessus ! *rires* Je me dis que ça doit donner tellement d’idées… comme pour Ben Mazué !
M : Quel bel album… Z : C’est fou ! Il dit vraiment la vérité dans des chansons qui parlent de la vie de papas passé 30 ans (ndlr : dans Semaine A / SemaineB) et je trouve que c’est super rare.
M : Dans ton EP… il y a deux feats qui marquent un peu ton envie de kicker. Comment se sont passées ces collaborations ? Z : Le premier feat est avec Martin X sur Sable. C’est un ami avant même de faire de la musique. À la base le morceau ne devait même pas sortir sur les plateformes : on avait un concert en commun, avec une chanson qui sortait en même temps et on a voulu la faire sur scène pour lier nos deux sets. On a terminé le morceau qu’on a trouvé très cool, et au final cette collaboration s’est fait de manière très naturelle, pas du tout basée sur un objectif précis. Et pour le deuxième feat, c’est avec Genezio que je connais du label (Low Wood). C’est le dernier morceau qu’on a ajouté au projet, il y a… trois semaines ! *rires* J’étais en studio avec Medellin qui est un des principaux beatmakers, j’ai écrit Drogue Douce que Genezio a entendu car on met la musique TRÈS forte à Low Wood. Avec Guillaume (ndlr : un producteur), ils ont trouvé que c’était cool et que ça pourrait être sympa de poser dessus. On ne se connaissait pas très bien mais il était très à l’aise : il a écrit son couplet, posé dessus, on a écouté et je trouvais ça trop cool qu’on ne se connaisse ni d’Adam ni d’Eve, mais qu’il comprenne tout de suite de quoi je parlais, tout en y ajoutant sa patte.
M : Ça a carrément matché en fait ! Z : Ouais ! Let’s go !
M : J’en profite pour parler d’une troisième chanson, Merci qui ouvre ton EP : j’ai ouïe dire que tu l’avais écrite après un certain concert sold-out aux Trois Baudets. Pourquoi l’avoir mise au tout début de l’EP ? Z : J’ai écrit la chanson parce que je ne faisais que pleurer le lendemain des Trois Baudets. Car oui, le bonheur ça fait mal ! J’étais très émue de voir autant de personnes devant moi chanter mes chansons, venir me voir… Parfois je me rends compte que souvent on s’inspire de nos histoires, qu’on en sort des chansons, des gens viennent vers nous pour nous dire qu’ils sont émus, donc on est aussi émus et on réécrit des chansons… c’est un cercle vicieux qui est DINGUE. Je n’avais jamais vu des gens que je ne connais pas dans le public et je trouvais intéressant de faire une chanson qui parle du fait de faire des chansons. Et pourquoi la mettre en intro… on l’a aussi rajouté au dernier moment ! C’est la chanson qui m’a servis d’annoncer Zélie c’est quoi ?, et à un moment je chante « Je sors un EP et c’est délirant ». On s’est dit que c’était une manière très honnête et simple d’ouvrir l’EP, on n’a même pas retravaillé la prod ! J’avais envie qu’on l’entende en premier car si le public écoute au moins la première chanson, ils sait un peu à quoi s’attendre pour la suite.
M : Et ça donne très envie de découvrir le reste ! Z : Peut-être que j’ai un peu fait l’ordre par rapport à ça… Imagine ceux qui vont s’arrêter au milieu de l’EP car ils n’ont pas le temps de l’écouter ? C’est pour ça que j’ai mis les meilleures chansons en haut ! *rires*
M : En parlant comme ça de concerts, j’imagine que d’autres choses sont prévues pour la suite ? Qu’est-ce que tu prépares ? Z : Oui ! On fait une release party le 23 février pour être tous présents à minuit au MobHouse à Saint-Ouen. C’est un hôtel super cool, un peu bobo, un peu hipster. C’est de 20h à 00h et à 21h30 je vais huit chansons en piano voix, pour qu’on voit l’aspect plus intimiste des chansons, qu’on s’attarde vraiment sur mes mots. J’ai trop hâte !
M : Tout pareil ! Je vais arriver sur la fin avec deux dernières questions que j’aime bien poser. La première, qu’est-ce qui t’a marqué récemment, en musique ? Z : Oh, il y en a trop ! Mais récemment comment ?
M : Ce qui t’a marqué, que ça soit sorti il y a vingt ans ou quelques jours. Z : Ah bah ! Je réécoute vachement La Terre est Ronde d’Orelsan ! *rires* Et sinon j’ai découvert Yoa récemment, je suis bluffée ; je me dis que ça faisait longtemps que je n’avais pas aimé tous les sons d’un projet. J’ai raté son concert à cause d’un examen de danse classique… tout ça pour arrêter la danse ! J’ai revendu ma place et c’était horrible. Autrement j’adore Poids Lourd de Disiz car elle est incroyable. C’est un beau micmac de je chante, je kick, je vous fait pleurer et en même temps il y a des drums cool.
M : Il sait tout faire. Ma dernière question se tourne vers l’avenir. Qu’est-ce qu’on pourrait de souhaiter de mieux ? Z : De me trouver un public un peu plus large grâce à l’EP, que ça ne floppe pas. De pouvoir rencontrer les artistes que j’aime, de continuer de collaborer. Ça ne fait pas si longtemps que je fais de la musique donc je sais que je peux encore explorer. C’est de ça dont j’ai le plus hâte. J’ai envie de faire encore plus spécial, plus original, de découvrir des artistes qui m’inspirent comme des Yoa ou des Johnny Jane, de pouvoir collaborer et d’en apprendre plus sur moi-même.
M : Et voilà. Au début on se disait Zélie c’est quoi ? et au final, c’est ça, Zélie. Z : Et oui, merci.
Zélie c’est quoi ? le premier EP de Zélie, sera disponible le 24 février. En concert au MobHouse de Saint Ouen le 23 février. En concert au Badaboum le 18 mars.
Alors que nous vivons à une époque où nous n'avons que les mots "pop" et "musique urbaine" à la bouche, certain.es artistes puisent dans diverses influences pour créer une musique qui les démarquent des autres.
Après avoir avoir énormément voyagé et fait une multitude de rencontres qui l'inspireront pour écrire et composer sa musique, Gabi Hartmann nous livre un premier album éponyme.
Elle casse les codes.
Mélangeant pop, variété, jazz, bossanova et musique du monde, Gabi Hartmann nous offre un disque de quatorze titres, nous emmenant alors en voyage durant sa lecture. Rencontre avec une artiste globetrotteuse à la soif de rencontres, qui remet le jazz au goût du jour.
C’est l’heure de l’interview.
Musicaléomentvotre : Salut Gabi, comment est-ce que tu vas ? Gabi Hartmann : Ça va ! C’est beaucoup de boulot en ce moment avec la sortie de l’album mais je suis contente qu’il soit sorti. On fait beaucoup de promo mais ça va. On a fait un gros concert mardi (ndlr : 24 janvier) à La Seine Musicale, il y avait 950 personnes, c’était énorme ! Je redescends petit à petit.
M : Je n’ai pas pu assister au concert mais on en reparlera ! Est-ce que tu peux te présenter à ceux qui nous lisent et ne te connaissent pas encore ? G.H : Oui alors, je suis née à Paris, je chante et j’écris des chansons. Je suis autrice, compositrice, musicienne, chanteuse. Je viens de sortir mon premier album le 13 janvier.
M : On va revenir un petit peu sur ton parcours. A titre personnel, je caractérise ta musique comme étant une sorte de beau mélange entre de la chanson, du jazz, un peu de bossanova et plein d’influences différentes. Je voulais savoir comment est-ce que toi tu t’es dit « j’ai envie de faire de la musique ma vie ». G.H : C’était une passion depuis toute petite, j’ai toujours vibré énormément avec la musique. C’est un art qui m’a toujours touché sans explications, il n’y a pas un élément déclencheur ; mon père m’a poussé à faire du piano classique, j’aimais chanter. Ça a vraiment commencé au lycée, en enregistrant les premières maquettes, en composant avec des copains du lycée en jouant et en faisant des reprises. Puis je suis allée au conservatoire, j’ai étudié le jazz et la guitare… et j’ai appris la musique dans mes voyages, notamment au Brésil où j’ai vécu.
M : Est-ce que le fait de partir vivre à l’étranger t’a aussi donné l’envie de chanter dans différentes langues ? G.H : Je chantais déjà en anglais et en français. Je pense que dans le jazz, c’est très commun de chanter dans plusieurs langues, comparé à la chanson, et les artistes jazz que j’écoute le font, d’ailleurs. J’ai voulu casser les codes avec cet album, en faisant des chansons sans m’empêcher de chanter dans plusieurs langues. J’ai voulu casser les codes des genres.
M : Tu disais que tu écoutais certains artistes qui mélangeaient les langues. Quels sont ceux qui t’inspirent ? G.H : Je pense à Rodrigo Amarente qui est brésilien, à Melody Gardot qui m’a beaucoup influencée, Henri Salvador qui chante en créole et en français… il y a beaucoup d’artistes, mais je dirais que ce sont eux principalement qui m’inspirent.
M : J’aime beaucoup aussi ces artistes car j’ai l’impression de voyager avec eux ! G.H : Tout à fait.
M : Et penses-tu qu’il est nécessaire de voyager, notamment pour écrire et être inspirée ? G.H : Oui, je pense que c’est très important ! Ça me donne de nouvelles inspirations à chaque fois que je voyage, que je fais des nouvelles rencontres. Je vois des choses qui me marquent plus que si tu restes dans tes habitudes.
M : En 2021 tu sortais un premier EP, Always Seem To Get Things Wrong. Est-ce que tu peux nous en parler un peu ? G.H : Il s’est fait avant le Covid. Certaines chansons ont été enregistrées à Rio, d’autres à New-York. Je l’ai réalisé avec Jesse Harris, c’est assez fou. L’album est en fait une continuité de l’EP, ce dernier était un premier pas car je savais que j’allais faire l’album après. Et je chantais déjà en anglais, français et portugais !
M : Concernant l’EP, comment tu as vécu cette période où tout s’est arrêté ? Tu en as profité pour écrire les chansons qu’on retrouve dans ton album ? G.H : J’ai beaucoup écris de nouvelles chansons, fait des reprises que j’adore, brésiliennes surtout. J’ai beaucoup réfléchis à ce que je voulais faire pour l’album, de quoi je voulais parler, qui je voulais avoir dans l’album. Il y a eu des périodes très difficiles et d’autres incroyables, c’était deux extrêmes. C’était long, certaines périodes où des gens sont décédés ont été horribles, et puis parfois il y avait des périodes de joie intense. Avec les musiciens on se retrouvait tout le temps pour faire des jams, c’était beau. On était très proches avec un groupe d’amis donc on se voyait tout le temps, vu qu’on était dans la même situation.
M : Revenons-en à Gabi Hartmann, ton album. Comment as-tuprocédé pour l’écrire, comment tu t’es entourée ? G.H : Il y a eu Jesse Harris à la réalisation, Félix Remy qui a enregistré et mixé beaucoup de morceaux, donc on a passé pas-mal de temps en studio, notamment pour trouver un son à cet album. Les chansons se sont faites au fil des années, j’ai voulu mettre toutes celles que je préférais dans le disque ! Des récentes que je n’avais jamais joué, et d’autres plus anciennes. Ça s’est donc fait au fil des années et des rencontres. Puis l’album s’est fait principalement entre Paris (au studio Pigalle) avec mes musiciens de Paris et entre New-York avec les musiciens new-yorkais avec qui Jesse travaille tout le temps.
M : Ce qui t’apporte aussi plein d’influences différentes des deux villes. G.H : C’est ça !
M : On retrouve aussi dans cet album deux duos, l’un avec Julian Lage et Ghandi Adam. G.H : Julian est un ami de Jesse, avec qui il a travaillé et c’est un grand guitariste de jazz. Et, j’ai rencontré Ghandi à Paris il y a quelques années, qui est un super flutiste.
M : Ce sont vraiment des beaux morceaux ! People Telle Me a d’ailleurs un clip. À travers ces derniers issus de l’album, on retrouve une ambiance très « rétro » ; pourquoi faire ce choix ? G.H : On retrouve dans le clip de People Tell Me une référence aux années folles, l’époque des artistes surréalistes, l’époque de la naissance du jazz. C’était très important dans la société, dans les soirées et les bals. J’ai cherché dans cet album à faire ressortir un côté « nostalgique » de cette époque, puisque ce sont aussi les disques qui m’influencent le plus, les années 60 et 70 ; je pense notamment à Kita Novelle. C’est aussi une sorte d’hommage à cette époque, tout en le rendant actuel.
M : Tu disais en début d’interview que tu avais pu présenter ton album à La Seine Musicale… je n’y étais pas malheureusement, mais comment ça s’est passé ? G.H : Ah ! On était six sur scène : guitare, piano, percussion, contrebasse puis les instruments à vent. On a passé trois jours à répéter ensemble, il y avait vraiment une belle énergie entre nous lorsqu’on répétait les morceaux qu’on n’avait jamais joué sur scène, c’était fort.
M : Ça devait être impressionnant ! G.H : Ça va ! On a fait un gros festival de jazz pendant l’été et j’ai fait des premières parties à la Salle Pleyel et ça… c’était vraiment quelque-chose.
M : Et tu as donc joué devant 950 personnes… à une époque où le jazz n’est pas forcément le genre qu’on entend le plus ! Comment tu vois toi, artiste qui souhaite remettre le jazz au goût du jour, cet aspect-là de l’industrie musicale ? G.H : J’ai envie de montrer dans cette industrie qu’on peut faire de la musique et ne pas être exclue d’une « case ». Là moi, je veux faire de la chanson, mais dans celle-ci il y a des influences diverses, dont le jazz et d’autres choses. J’aime pouvoir dire que je fais du jazz ET de la variété ; on peut très bien faire de la chanson, de la pop, tout en ayant les influences qu’on veut. L’appellation « pop » est très récente ! En France, la pop est très fermée à un certain style, il faut chanter de telle ou telle manière… alors qu’il faut simplement s’ouvrir à diverses influences. Mais ça bouge !
M : C’est grâce à des artistes comme toi qui osent briser les codes. G.H : *rires* Et il en faut de plus en plus !
M : Pour 2023, est-ce que tu as déjà des choses de prévues ? G.H : Je vais être aux Francofolies de La Rochelle le 14 juillet, je suis super contente. Et il y aura une date à Paris, le 27 novembre à La Cigale.
M : Et, qu’est-ce qu’on pourrait te souhaiter pour la suite ? G.H : *rires* Euh… j’espère continuer à faire de beaux albums ! J’espère que différentes générations viendront me voir en concert ; la majorité des gens qui viennent sont un peu âgés et moi je veux essayer de casser ça, de jouer dans des salles pour toutes les générations.
M : Je ne doute pas sur le fait que tu vas réussir. G.H : Merci merci merci !
Gabi Hartmann est disponible sur toutes les plateformes depuis le 13 janvier. En concert à La Cigale le 27 novembre.
Tim Dup est de ces artistes nés avec un don entre les doigts. Armé de son piano et de sa voix reconnaissable parmi mille autres, il a su comment s’emparer de notre coeur en 2016 avec un premier EP, Vers Les Ours Polaires. Déjà à cette époque, on avait la gorge tordue tellement de belles choses ressortaient de ce tout premier disque. Et puis l’ascension n’a fait que continuer.
Entre 2018 et 2021, Timothée Duperray de son nom complet sortait trois longs formats, plus intéressants les uns que les autres : MélancolieHeureuse (2018), Qu’en Restera-t-il ? (2020) et La Course Folle (2021). C’est d’ailleurs grâce au cumul de tous ces titres qu’on fini par être réellement sous le charme de cet artiste.
Et puis vint 2023, une année que Tim Dup a su saisir d’emblée en nous offrant son quatrième album, Les Immortelles.
Les Immortelles, c’est un album de treize titres qui mettent une nouvelle fois en évidence le musicien et interprète qu’est Tim Dup, mais aussi et surtout sa musique authentique et touchante. Outre le fait que ce soit un magnifique album de chanson, on s’autorise à considérer que ce disque est également un recueil de poésie, mis en musique afin de l’apprécier encore plus, et sous un regard différent.
Les Immortelles est un disque bouleversant du début à la fin, et on ne peut s’empêcher de le réécouter une nouvelle fois dès que nous arrivons à son terminus. On voit le troisième titre qui porte le nom du disque comme une comptine, une berceuse ; tandis que certains titres tels que Les Larmes du Mondeou Le Club des 27 dépeignent une triste réalité qui nous touche absolument tous, laissant paraitre alors une urgence à se faire entendre. Ce disque est un mélange magnifiquement bien exécuté de douleur et de légèreté, et jamais on ne pourra enlever cela à l’auteur, compositeur, interprète, qualité devenue presque marque de fabrique.
Revenons sur cette question de don, dont on parlait quelques lignes plus haut.
Nous sommes certains que Tim Dup en bénéficie. Il chante des choses nobles et d’autres graves, passe de cris de rage à élans d’optimisme, se balade entre les pianos voix et les rythmiques dites plus hip-hop… tout en gardant une grande sincérité tant dans ses mots que dans ses notes, en passant par les clips. En nous offrant ce nouvel album, que nous reconnaissons comme étant un disque d’une grande maturité, Tim Dup se met à nu et ne craint pas de partager ses pensées les plus profondes à travers ces textes et interludes.
On pourrait dire bêtement que derrière une grandemusique se cache un grand artiste.
Et bien, après près de dix écoutes de l’album, des larmes parfois séchées difficilement et une réflexion sur le monde qui nous entoure pleine d’optimisme finalement, on n’en pense pas moins.
Tim Dup fait de la grande musique, car c’est un grand artiste.
Les Immortelles de Tim Dup, album disponible partout – et à écouter de toute urgence.
Tour-Maubourg vient de sortir un nouvel album, Spaces of Silence. Le producteur franco-belge a su nous captiver avec sa musique tantôt jazz, tantôt house en 2020 alors qu’il sortait tout juste son premier album, Paradis Artificiels. Depuis, il nous est incapable de passer à côté de quelque nouveauté le concernant. Sortir un nouveau disque était donc probablement l’une des meilleures annonces de ce début d’année.
Spaces of Silence se trouve être un disque de presque une heure, composé à Bruxelles et regroupant 14 titres qui confirment une nouvelle fois que tout producteur de cette génération peut envier Tour-Maubourg. Au sein de ce dernier, nous retrouvons ce qui nous a tant fait aimer cet artiste, soit ce mélange de house combinée à des harmonies jazz, passant alors d’uptempo à du downtempo. Que ce soit seul (comme sur la grande majorité des titres) ou accompagné par Ismael Ndir, on s’est rapidement douté que ce disque allait être une réussite.
Spaces of Silence est un album assurément bien composé : introduction, interludes et conclusion. En écoutant ce disque, il est pratiquement inconcevable de déceler un quelconque titre mieux qu’un autre : c’est un ensemble qui s’apprécie dans sa totalité, un point c’est tout.
Si nous retrouvons des inspirations et influences d’autres artistes comme George Benson ou St. Germain, Tour-Maubourg garde néanmoins sa particularité la plus importante : bousculer les barrières.
Et alors que nous nous approchons de la fin de la première écoute, la gorge un peu nouée car oui, c’est passé bien trop vite, Grief vient apporter un dernier souffle à cette masterclass avant de laisser place au morceau qui constituera l’Outro, qui nous donne aussitôt l’envie de tout réécouter zéro.
Spaces of Silence est définitivement un grand voyage au sein d’un panel incommensurable de genres et de styles de musique. En offrant une proposition comme celle-ci, Tour-Maubourg confirme sa place de producteur important ET impactant de la scène de musique électronique actuelle.
Si lors du premier album (Paradis Artificiels) nous nous étions déjà pris une claque musicale, c’est d’autant plus le cas trois ans plus tard avec ce nouveau long format, qu’on ne peut s’empêcher d’écouter en boucle. Les titres coups de cœur ? Just Believe, Solaced et You (feat. Ismael Indir), car ils démontrent encore une fois le niveau d’éclectisme et le talent dont fait preuve le producteur. Spaces of Silence est un vrai bijou de musique électronique, et on n’en attendait pas moins de la part de Tour-Maubourg.
Certains la connaissent déjà grâce au groupe Lilly Wood & The Prick, fondé aux côtés de Benjamin Cotto. D'autres l'ont vu plus récemment en première partie des concerts d'Izia. Pour quelques-uns, son nom cache encore une grande part de mystère.
Alors qu'elle écrit et compose sa musique depuis près d'une quinzaine d'années, qu'elle auto-produit et finance ses projets solos, Nili Hadida est de retour avec son nouvel EP, Love Life Death Despair. C'était l'occasion parfaite pour rencontrer cette artiste engagée et aux multiples casquettes.
Alors que les températures n'étaient pas au rendez-vous ces derniers jours, Nili a accepté de rencontrer Musicaléomentvotre, un thé à la main, pour parler de sa musique et de ses influences, mais aussi du Covid et de la place des femmes dans l'industrie musicale.
C’est l’heure de l’interview.
Musicaléomentvotre : Salut Nili, comment tu vas ? Nili Hadida : Ça va bien. Je suis en dry january et j’essaye de rester en forme car il y a beaucoup de concerts en janvier qui arrivent avec Izia. Je suis contente, j’aime bien travailler, alors en ce moment c’est cool.
M : Est-ce que tu peux donc te présenter pour ceux qui ne te connaissent (toujours) pas ? N.H : Je m’appelle Nili Hadida, j’ai un groupe qui s’appelle Lilly Wood & The Prick depuis presque quinze ans et à côté de ça je fais mes projets, seule : j’auto-produis et finance pour être complètement libre. J’ai deux chiens et j’habite à la campagne.
M : Tu disais que ça faisait une quinzaine d’années que tu étais dans Lilly Wood & The Prick. Je pense que beaucoup de personnes te connaissent grâce au groupe. Est-ce que tu te souviens de vos premiers pas dans la musique ? N.H : On avait 20 ans et on s’est rencontrés dans un bar [ndlr : avec Benjamin Cotto]. On avait tous les deux envie de faire de la musique alors on s’est échangé nos numéros et très vite on s’est mis à écrire. C’était très fluide, tout s’est fait rapidement, on n’a jamais galéré. C’est marrant parce que ce que je n’ai pas vécu avec le groupe, je le vis en solo en recommençant depuis le début et je pense que c’est une bonne expérience. Nous, on a vite fait nos propres concerts et finalement je ne fais pas les choses dans le bon ordre, mais je les fait toutes. Avec Lilly Wood, on était en festival cet été, la tournée est finie et entre les albums je fais mes projets solos. Ça ne s’arrête jamais, j’aime bien être occupée.
M : Et justement, comment vous avez vécu ce gros succès immédiat ? N.H : Ça nous est vraiment tombé dessus. On a eu une Victoire de La Musique en 2010 et c’était ouf ! C’était un premier album, on venait de commencer… et puis tout est allé super vite, on a fait plein de synchros avec des marques très cool, on jouait à guichet fermé. On est allé faire le troisième album au Mali et là-bas on a commencé à recevoir des coups de fil de potes qui nous disaient « Vous avez un remix qui passe à la radio » alors qu’on n’était pas au courant, et le truc a pris tout seul ! Je pense qu’on s’est rendu compte de tout ce qu’il s’est passé récemment. On a fait une pause de cinq ans et une fois qu’on s’est posés, on a fait le bilan de tout… je pense qu’on ne s’habitue jamais à avoir un aussi gros succès.
M : Pourtant en parallèle tu avais déjà tes projets solos. Tu sortais un album éponyme en 2018, que je me surprends à réécouter d’ailleurs. Tu disais que ça te paraissais « bizarre » de faire les choses un peu dans le désordre, de tout réapprendre… à quoi ressemble ton parcours ? N.H : Pour le premier album je sortais de Lilly Wood et j’avais un peu la folie des grandeurs. J’écoutais beaucoup de soul et je me suis entourée de gens très forts dont j’appréciais le travail : j’ai dépensé une fortune, je suis partie à Miami le mixer avec Jimmy Douglas. L’album n’a pas beaucoup marché, mais je me suis fait plaisir.
M : C’était vraiment le kiffe de pouvoir tout faire un peu seule ! N.H : Oui ! Depuis la fin de Lilly Wood je me dis que j’ai envie d’explorer l’autre pan de ma culture musicale qui est le rock, que j’écoute tous les jours. D’ailleurs l’EP qui va sortir ressemble beaucoup aux toutes premières démos de Lilly Wood ; ça boucle la boucle ! Et puis je me suis dit, « essaye d’être dans une économie un peu plus humble, de voir ce que tu arrives à faire toute seule » : alors j’ai tout enregistré à la campagne avec un ami avec qui j’ai écrit l’EP, Love Life Death Despair. J’aime bien apprendre à travailler de différentes manières, et là c’est ce que je suis en train de faire ! Sur ce disque, je suis CEO de ma boîte et stagiaire en même temps, plus stagiaire en ce moment que CEO d’ailleurs *rires*.
M : Et d’ailleurs, si on revient sur tes influences musicales, tu parlais de soul puis de rock, mais quels sont les artistes qui t’influencent et t’inspirent ? N. H : Pour cet EP là, il y a un clin d’œil à BLUR et à leur chanson Boys and Girls sur mon clip 2022, qui est un hommage dans lequel on est que des femmes à jouer. C’est un peu un pied de nez au clip original et aux paroles. Il y a aussi un groupe de Los Angeles que j’adore qui s’appelle Automatic ou encore Los Bitchos… en fait, mes influences sont tirées du rock Californien, État où j’ai vécu quasiment toute mon adolescence.
M : D’où cette envie aussi de chanter en anglais ? N. H : Disons que mes langues maternelles sont l’anglais et le français ; puis la musique que j’écoute est vraiment anglo-saxonne et je me sens plus à l’aise en anglais. D’ailleurs je suis assez frustrée car je sais que certaines personnes ne comprennent pas réellement les textes que j’écris. Avec Lilly Wood, quand on était aux Etats-Unis, en Californie ou en Angleterre, c’était super agréable de chanter devant un public qui comprenait ce que tu racontes !
M : Tu as sortis deux premiers singles : 2022 et I Killed A Bird Today. C’est un peu la carte de visite de ce nouvel Love Life Death Despair… N. H : Ce que j’aime bien dans cet EP c’est que je suis un peu sortie de « l’adolescence » où tu parles de tes histoires d’amour uniquement… sur ce disque, je parle de pas mal de choses. 2022 est une rétrospective de l’année, de l’enfer que j’ai passé. I Killed A Bird Today raconte vraiment le jour où j’ai écrasé un oiseau en voiture à la campagne, ça m’a traumatisé. Après, oui, Song About X parle d’un garçon mais c’est un peu une allégorie dans laquelle je raconte que toutes mes histoires ressemblent à un grand jardin où les gens sont des fleurs…
M : Mettons les deux pieds dans le plat. 2022 était une année où on sortait encore doucement du Covid… N.H : J’ai très mal vécu cette période. Quand tu es à la campagne, tu es déjà un peu confiné(e) ; j’habite au milieu des champs et je me sentais vraiment seule. J’avais l’impression que la vie ne redeviendrait jamais comme avant.
M : Mais là tu as pu faire des festivals, revenir sur les devants de la scène… c’est un peu un second souffle, non ? N. H : Ah carrément ! Je me souviens qu’en commençant la tournée de Lilly Wood il y a 2 ans, il y avait encore des publics masqués… c’était lunaire.
M : Je me souviens avoir fait quelques concerts en étant assise, c’est un peu étrange… et je me dis que peut-être nous, simples spectateurs de la musique, on ne peut même pas bien se rendre compte de ce que vous, artistes, vous ressentez vraiment. N. H : Tout avait été décalé ! La première semaine, j’avais l’impression que c’était la fin du monde ! La musique était tellement anecdotique par rapport à la catastrophe qu’on était en train de vivre. Je me suis même demandé si un jour il y aurait de nouveau de la place pour tout ce qui touche à la culture. Heureusement oui, mais c’était facile de dramatiser.
M : J’ai aussi vu que tu faisais les premières parties d’Izia ces derniers temps ? N.H : C’est trop cool ! On est très copines et l’hiver dernier elle venait souvent à la campagne pour se reposer et je lui disais que je cherchais à faire une première partie car ce que je sais le mieux faire c’est être sur scène. Puis elle m’a répondu « Mais vient faire ma première partie ». Ouah. On a une bonne partie de l’équipe technique en commun. J’ai l’impression que ma vie c’est un peu « Almost Famous », un film que je recommande et c’est dingue ! Être en tournée avec une copine c’est dingue, parce que la tournée c’est rude… il ne faut pas être sédentaire, et aimer l’aventure. Être avec Izia, ça adoucit le truc et c’est une opportunité qu’autrement je n’aurais peut-être eu, car je ne voyais pas quel tourneur aurait voulu signer un projet rock en anglais. Ça m’a filé un énorme coup de pouce, car c’est à travers la scène que le projet existe le mieux.
M : Justement, j’ai vu que tu t’étais entourée de beaucoup de femmes pour cet EP. Ça te tenait vraiment à cœur ? N.H : C’était super important car ça fait quinze ans que je ne vie qu’avec des mecs, dans un bus et que malgré tout la mixité équilibre plein de choses. Là, la tournée est super ! J’ai un guitariste mais j’ai une régisseuse, une batteuse… ça change beaucoup de choses. Avec Lilly Wood on a fait un morceau qui s’appelle You Want My Money et j’ai réalisé le clip en étant entourée de femmes (cheffe électro, cheffe op…).
M : C’est une bonne vibe. N.H : De toute façon, il y a moins de femmes dans le milieu. Donc plus tu en fais bosser, plus ça rééquilibre. Pour l’EP je me suis aussi entourée de nouvelles têtes, tu vois. Il y a des gens qui préfèrent travailler avec des gens qui ont déjà un gros CV, alors que moi je trouve que s’entourer de personnes jeunes c’est important. Je trouve ça bien de laisser sa chance à tout le monde.
M : On va donc pouvoir te retrouver sur scène en « girl power ». Tu nous tease la suite ? N.H : Alors. Love Life Death Despair sort le 3 février mais avant ça je vais sortir un titre en duo avec Mélissa Laveaux qui est une super chanteuse, avec une live session qu’on a fait entre meufs. Je joue à La Boule Noire le 14 juin, je vais sortir un inédit entre tout ça… et voilà ! J’essaye avec mes petits moyens de faire des images sympas et de raconter des histoires cool.
M : Et mise à part tout ça, qu’est-ce qu’on pourrait te souhaiter pour la suite ? N.H : Continuer à faire de la musique et des concerts. Et puis, peut-être être un peu moins anxieuse dans la vie, aussi.
M : Que demander de plus, au final ! N.H : Ah et bien pas grand-chose ! *rires*
M : Et je vais terminer avec une dernière question. Est-ce qu’en ce moment tu as un coup de cœur musical ? N.H : De ouf. J’écoute un morceau de King Gizzard & The Lizard Wizard qui s’appelle The Dripping Tape et qui dure 18 minutes. C’est comme s’il y avait trois morceaux dans un seul morceau et la première minute est super lente et triste alors qu’après ça défonce les oreilles. Du coup, j’écoute la première minute en boucle *rires*. J’ai un ami qui m’a fait un track de 20 minutes avec seulement la première minute de ce morceau en boucle. Je suis très psychorigide et très monomaniaque, et donc j’ai des phases où je peux écouter qu’un bout de morceau en particulier, pendant mille ans… c’est mon obsession du moment.
M : Et tu recommandes donc ce morceau à tout le monde ! N.H : Ouais et c’est un groupe incroyable… qui va sortir cinq albums par ans, quoi.
M : Qui arrive à faire ça ?… N.H : Et bien JUL !
Nili Hadida sera en première partie d’Izia le 20 janvier au Krakatoa (Bordeaux), le 21 janvier au Mem (Rennes).
Son nouvel EP Love Life Death Despair sera disponible le 3 février sur toutes les plateformes, et elle viendra nous le présenter en étant tête d’affiche à La Boule Noire le 14 juin.
Voilà déjà presque un mois que nous avons changé d’année, en emportant avec nous tous les plus beaux souvenirs musicaux de 2022. Si certaines attentes ont été largement dépassées, d’autres artistes ont moins su retenir notre attention. 2022 était une année de découverte extrême, de concerts en tout genre et de nouvelles rencontres.
L’année de Musicaléomentvotre résumée en quelque chiffres et anecdotes, ça donnerait ça :
On a été dans 32 salles de concert différentes,
On a vu 72 artistes (sans compter les festivals),
À ce propos, on a été à 5 festivals, et on a survécu au deuxième jour de We Love Green !
Le groupe qu’on a été voir le plus de fois était sans aucun doute Entropie, parce qu’on est des supporting friends,
L’album qu’on a le plus passé dans nos oreilles était Last Night In The Bittersweet de Paolo Nutini. D’ailleurs, on a même traversé toute l’Italie pour aller le voir en concert (ça valait vraiment le coup),
Enfin, on a pu rencontrer certaines de nos idoles comme ce dernier Paolo, Busy P ou encore Laurent Garnier.
Cette année, Musicaléomentvotre a rédigé 46 articles dont 5 interviews, grâce aux découvertes personnelles et au talent des attaché.es de presse et journalistes pour nous faire découvrir et aimer un artiste ou un projet. On a donc rencontré beaucoup de monde, ce qui nous a même poussé à devenir partenaire de La Grande Party, un tremplin parisien qui a pour but de repérer et d’accompagner la jeune création musicale du Grand Paris.
BREF, 2022 était une bonne année. Alors revenons sur les albums et concerts qui nous ont vraiment touché.
TOP 10 ALBUMS
10. Mall Grab – What I Breathe (Deluxe)
Le titre coup de♥ : Distant Conversation
9. André Manoukian – Anouch
Le titre coup de♥ : Trilles
8. Izia – La Vitesse
Le titre coup de♥ : Dehors (c’est la vie)
7. Juliette Armanet – Brûler Le Feu
Le titre coup de♥ :Imaginer L’amour
6. Dani Bumba – L’Amour
Le titre coup de♥ :L’amour
5. Thomas Guerlet – How Strange
Le titre coup de♥ :The Derailer
4. Warhaus – Ha Ha Heartbreak
Le titre coup de♥ :Desire
3. Charlotte Adigery & Bolis Pupul – Topical Dancer
Le titre coup de ♥ : Ceci N’est Pas Un Cliché
2. Oscar Jerome – The Spoon
Le titre coup de♥ :The Spoon
1. Paolo Nutini – Last Night In The Bittersweet
Les titres coup de♥ :Acid Eyes et Heart Filled Up (car en live on n’a pas pu s’empêcher de pleurer)
TOP 5 CONCERTS
Il est vrai qu’après avoir vu au total une centaine d’artistes et d’univers différents, ne choisir que cinq concerts pour représenter cette année n’était pas une mince affaire. Alors, on s’est rappelé ceux qui nous avaient fait le plus vibrer, le plus danser, le plus pleurer. Ceux qui nous ont mis une claque, ceux qu’on aimerait bien revivre.
5. Parcels – le 28 août à Rock en Seine
Car on ne s’attendait pas à ce qu’un concert en plein festival soit aussi puissant, rock, pop et électronique en même temps.
Il se peut que ce soit une de leurs meilleures prestations en France.
4. Charlotte Adigery & Bolis Pupul – le 25 avril au Trabendo
C’était la première fois qu’on voyait le duo dans une vraie salle de concert.
L’énergie de Charlotte et de Bolis est si puissante, qu’on aimerait bien les voir sur scène tous les jours.
3. Malka Family – le 3 juin au New Morning
On a rarement vu un concert aussi long, surtout au New Morning !
Ce qu’il y a de bien avec la Malka, c’est que chaque concert est différent mais qu’ils ont tous un point en commun : le groupe réussi à faire danser tout le public, sans aucune difficulté.
2. Paolo Nutini – le 3 octobre à La Cigale
C’était un concert porté par un mélange d’émotions. On a crié, pleuré, chanté, souri…
Et même si on l’avait vu quelques moins plus tôt en Italie, la proximité de la salle fait toute la différence.
1. Feu! Chatterton – le 14 avril au Zénith de Paris
C’est simple : Feu! Chatterton est un de nos groupes préférés. Si ce concert était initialement prévu un an plus tôt, mais décalé à cause du Covid-19, on a d’autant plus adoré ce nouveau show.
On en redemande vite.
C’était notre court résumé de 2022. Des rencontres à foison, de la musique qui coule à flot, des concerts qui parfois ne finissent plus, d’autres qu’on aimerait pouvoir repasser en boucle devant nos yeux. On aurait pu faire une sélection encore plus dense, mais d’autres sites le font très bien, retraçant alors toute une année avec de nombreux très bons albums, très bons singles et magnifiques concerts. 2022 aura été une année marquante pour Musicaléomentvotre, et on a hâte de découvrir ce que nous réserve 2023.
D’ailleurs, voici quelques projets qu’on attend de pied ferme :
L’arrivée dans la sphère musicale de Marguerite Thiam, une artiste qui sait tout faire et qui le fait bien. Son premier single Comme Les Grands est déjà disponible, et elle assurera la première partie d’Emma Peters à La Cigale le 26 janvier.
Le nouveau projet d’Awir Leon : un auteur, chanteur, compositeur, interprète et danseur qu’on a découvert en 2016 lors d’une représentation de danse. Si on l’a déjà vu en concert avec son groupe UNNO il y quelques années, on ne peut s’empêcher d’être persuadés que ce retour solo saura nous convaincre facilement. Il jouera à La Boule Noire le 17 mars.
Le premier album du quatuor Later. ! On ne fait qu’en entendre parler, on les a vu tant au piano qu’en DJ set, et on est secrètement fans de tout ce que ces garçons font. Ce disque, Walking On The Line est prévu pour le 17 mars, et on pourra le découvrir sur la scène de La Maroquinerie le 27 mars.
On ne peut terminer cette sélection sans parler d’un des hommes les plus influents dans le monde ces derniers mois. Ex membre des One Direction, Harry Styles a lui aussi réussi à nous captiver avec son dernier album, Harry’s House. Par conséquent, on s’est dit que ce serait génial d’aller le découvrir en live : on sera à son Stade de France tout début juin.
À toi de jouer, 2023.
D’ailleurs, pour suivre notre playlist de l’année, ça se passe ici :
Le Figaro disait cet été qu’il faisait partie des « artistes à suivre de très près ». Et pour cause. Chanteur, auteur et compositeur depuis plus de dix ans, crooner pop aux influences rap, il chante la vie, l’amour, la mort en en faisant de la poésie des temps modernes.
Fin novembre, Le Noiseur réunissait près de mille personnes dans cette salle mythique qu’est La Cigale. Devant tous ces gens qui étaient venu le voir en tant qu’artiste principal de la soirée, Simon de son vrai prénom chantait son album Relax, et les cinq nouvelles chansons qui sortaient une dizaine de jours plus tôt, issues de la réédition de ce dernier disque.
Serein après un concert sold-out, Le Noiseur a accepté de répondre à quelques questions, à seulement cinq minutes de La Cigale. Rencontre avec un Artiste avec un grand A.
Musicaléomentvotre : Ma première question est très classique. Comment tu vas, Le Noiseur ? Le Noiseur : Écoute, je vais plutôt bien, avec La Cigale qui s’est bien passée, c’était un gros truc donc je suis content. Je suis plutôt serein et content de l’année qui s’est écoulée.
M : Est-ce que tu peux te présenter pour ceux qui ne te connaissent pas encore ? L.N : Je fais de la musique professionnellement depuis une petite dizaine d’année. Je suis chanteur-auteur-compositeur, et j’ai sorti mon deuxième album, Relax.
M : Une question me taraude : pourquoi Le Noiseur ? L.N : J’ai voulu prendre un pseudonyme parce que mon nom, Simon Campocasso, c’est un peu compliqué à retenir. Donc quand j’ai voulu prendre un pseudo j’ai pris celui que ma mère me donnait quand j’étais petit : Le Noiseur, celui qui cherche des « noise », qui monte en l’air la tête de tout le monde.
M : Qu’est-ce qui t’a donné envie de faire de la musique ton métier ? L.N : C’est difficile à dire. Je fais de la musique depuis que je suis enfant, je faisais de la batterie et j’ai toujours aimé la musique. J’ai découvert le rap à 16 ans au lycée et cette musique me procurait tellement d’émotions que je me suis dit « Moi aussi je veux en faire ». À ce moment-là j’ai commencé à faire des trucs dans mon coin, et l’envie de faire de la musique et de la chanson de m’a jamais quitté. Plus ça va et plus j’aime ça, plus je prends du plaisir donc je continue.
M : On peut dire que ta musique allie la pop, à de la chanson et à du rap, mais comment est-ce que toi tu la décrirais ? L.N : Je dirais que c’est de la chanson française classique, de Gainsbourg ou de Delerme, mais mélangée à des influences rap qui sont quand-même présentes. La caractéristique de ma musique serait d’avoir deux influences, une moderne et une plus ancienne qui coexistent.
M : Tu viens de parler de Gainsbourg, mais quels sont les artistes qui t’ont le plus marqué en rap ? L.N : Les premiers sont IAM et NTM : j’ai beaucoup écouté École du Micro d’Argent et Paris Sous les Bombes, Oxmo… tout le rap de la fin des années 90.
M : Si on revient sur ton parcours, tu as sortis plusieurs EPs dont le premier en 2014. Je t’ai découvert en 2016 avec Musique de Chambre et en 2021 tu sortais un album, Relax. Est-ce que tu peux nous en parler un peu ? L.N : Relax c’est un disque qui est arrivé après l’EP Musique de Chambre, un long moment après le premier album. J’ai pris mon temps car je n’avais pas réellement réussis à aller là où je voulais avec ce dernier, donc j’ai pu avoir une grande réflexion sur ce que je voulais vraiment musicalement. Ça a commencé par Musique de Chambre avec une chanson qui a installé le truc, Summer Slow 88, un mélange de mes références des 90’s et de la chanson. Quand je l’ai écrite, j’ai eu le sentiment d’avoir composé quelque-chose qui me tenait à cœur depuis longtemps et ça a ouvert plein de choses dans mon inspiration, mon envie de faire des chansons. On retrouve donc un peu tout ça dans cet album, notamment grâce à ce titre, qui a toujours ces influences croisées à d’autres qui se sont rajoutées.
M : Tu l’as sorti après le COVID. Après avoir vécu un confinement, on peut se dire : comment pourquoi appeler son album Relax ? L.N : C’est un petit peu ironique, même par rapport à l’époque etc. Justement ça m’intéressait d’essayer de prôner ce truc de « relax ». J’ai perdu ma mère quand j’écrivais le disque, mais j’avais quand-même cette envie de continuer de vivre, d’avancer.
M : Pour Toujours est d’ailleurs une chanson qui parle de ta mère. L.N : J’avais envie d’en parler un peu comme un cri, différemment de ma manière d’interpréter les choses jusqu’ici, avec une montée sans refrain. C’est arrivée un peu comme ça, sans prévenir.
M : La réédition de Relax vient de sortir, un an après l’album (le 16 novembre) et avec cinq nouveaux titres. Est-ce que tu peux nous présenter cette continuité ? L.N : Ce sont des chansons que j’ai écrites cet été et non pas des chansons que j’avais en stock et qui n’étaient pas sur l’album. J’ai voulu les faire pour clore le chapitre Relax, pour préparer la suite musicalement parlant. J’avais envie d’aller un peu vers l’avenir. Sur scène, c’est bien d’avoir de nouvelles chansons aussi, notamment à La Cigale où j’ai pu les jouer, ramener un peu de nouveautés.
M : C’était un peu une suite logique finalement ! L.N : Tout à fait.
M : Est-ce que tu penses de ta musique connaitra un grand chamboulement depuis tout ce que tu as déjà fait là ? L. N : Je pense que ça va évoluer, notamment grâce à la scène qui donne envie de faire d’autres choses. Sur le premier album je n’avais pas fait trop de concerts donc je n’ai pas réellement pu voir ce que c’était. Le fait de faire La Cigale ça donne envie de faire des chansons qui sont un peu pour la scène aussi, peut-être des choses un peu plus énergiques.
M : D’ailleurs, parlons-en de cette Cigale sold-out ! Qu’est-ce que ça fait de voir tous ces gens qui sont venus exprès pour t’écouter ? L.N : C’était fou cette soirée. J’ai fait Le Café de la Danse en février et c’était la première fois que je faisais un concert où le public achetait sa place pour me voir moi, donc j’avais cette petite expérience. Mais là c’était assez fou ; il y avait quasiment 1 000 personnes, j’étais hyper surpris par leur accueil, je ne m’attendait pas à ça. J’espérais que ça allait plaire et que j’allais sentir qu’ils étaient contents d’être là, mais c’était au-delà de mes espérances. Tout s’est à peu près bien passé pendant le concert ! Je parle pas-mal entre les chansons et beaucoup de choses se passent, c’était un peu une première. J’avais le trac mais cet accueil m’a fait tellement plaisir.
Le lendemain j’avais envie d’en refaire une, pour encore plus profiter.
M : J’avoue ne pas avoir pu venir au concert… Vous optez pour quelle formation sur scène ? L. N : On était quatre : une batteuse, un claviériste et un guitare-basse-clavier. Moi je fais un peu de synthé, mais je chante principalement. À un moment donné il y a aussi eu un quatuor à cordes, et ça c’était beau.
M : Et comment était le public avec les nouvelles chansons ? L.N : Enthousiaste ! J’ai aussi senti que le quatuor avec beaucoup plu.
M : Tu prépares déjà de nouvelles choses ? L.N : Là je ne vais pas ressortir quelque-chose dans l’immédiat, mais il va y avoir pas-mal de dates en 2023, je vais beaucoup tourner. Je vais essayer d’écrire quand j’aurais du temps car je n’aime pas avoir des périodes trop longues, on met du temps à retrouver le niveau qu’on avait… Ce n’est pas bénéfique.
M : Justement, tu dirais que tu es plus « team studio » ou « team scène » ? L. N : J’aime vraiment les deux en fait, alterner. J’aime bien être seul en studio, et en même temps on est content d’aller sur scène et de voir du monde.
M : D’ailleurs, comment est-ce que toi tu procèdes pour enregistrer tes chansons ? L.N : Il n’y a pas vraiment de règles. C’est toujours un petit miracle quand tu fais une chanson dont tu es content : tu ne sais pas trop comment ça s’est fait. Idéalement j’aimerais bien que le texte vienne en premier, mais parfois c’est une envie musicale qui fait que tu trouves de l’inspiration.
M : On retrouve deux thèmes dans ce disque qui peuvent être un peu considérés comme contradictoires : l’amour et la mort, tout ça sur une musique quand-même solaire. C’est un très beau mélange, mais c’est vrai qu’on ne s’y attend pas toujours. L.N : Quand tu fais de la musique, ce qui est intéressant c’est que tu as la partition musicale et le texte. C’est toujours bien d’avoir un texte en contrepoint qui vient raconter autre-chose que ce que raconte la musique. Ça créer une troisième chose un peu inattendue et j’aime bien les contrastes.
M : Comme je te disais tout à l’heure, je t’écoute depuis quelques années et j’ai pu constater ton évolution. Mais qu’est-ce qu’on peut te souhaiter pour la suite ? L.N : Ah… on peut me souhaiter de faire une belle tournée, de continuer de prendre du plaisir sur scène, de faire des concerts et puis d’explorer de nouvelles voies.
M : Comme faire des feats avec des artistes, par exemple ? L.N : Ah ouais ! C’est vrai que je n’en ai jamais fait pour l’instant.
M : Tu penses à quelqu’un en particulier ? L.N : Mon feat idéal serait Sébastien Tellier et Mariah Carey. Un trio.
M : *rires* Je demande à voir ! L.N : Et bien on verra si ça se fait ou pas *rires*.
Encore Plus Relax, la réédition de Relax est disponible partout. Le Noiseur sera en tournée dans toute la France en 2023. À bon entendeur.
Zazie : une des chanteuses françaises les plus admirées, qui compte désormais onze albums studio à son actif et trois albums live. Zazie, c’est des textes écrits pour elle-même, d’autres écrits pour Pascal Obispo, Johnny Hallyday ou encore Jane Birkin. Zazie, c’est des récompenses au fur et à mesure des années au sein des Victoires de La Musique ou des NRJ Music Awards (pour ne citer qu’eux).
Zazie aujourd’hui, c’est un retour en musique avec Aile-P : un album fort, brut et chanté sans prendre de pincettes.
Il ne nous aura fallut que d’une seule écoute pour reconnaitre que cet album était d’une parfaite réalisation. Aile-P est un disque composé de huit titres pour une durée totale de vingt-sept minutes. À travers ces derniers, Zazie (re)pose sa voix sur un fond de piano tout en ajoutant une pincée d’influences électroniques. Sous ces airs de musique pop très moderne, l’auteure-compositrice-interprète se livre plus que jamais dans cet opus, sans détour. La musique est puissante, les thèmes abordés sont forts et la façon dont ils sont chantés est des plus brute.
Aile-P est probablement l’album dans lequel Zazie se sera le plus livrée en tant qu’artiste actuelle, dans ce monde-ci. Elle n’hésite pas à le crier dans Ça commence, titre d’ouverture et à se lâcher dans Gilles, comme on aimerait bien tous le faire à certains moments – il faut l’avouer. Si Zazie met à plat les choses qui vont mal, on a néanmoins su reconnaitre une envie imminente de donner de l’espoir à quiconque écoutera ce disque. C’est le cas dans Gravité, qui tente de nous faire comprendre que malgré tout, rien n’est grave ; ou dans Let It Shine et Lève-Toi, deux titres qui donnent envie de foncer tête baissée vers un avenir meilleur, de plus beaux jours.
Aile-P est un disque où Zazie allie sa voix presque brisée à une plume indétrônable et des plus engagée.
Entre jeux de mots indéfectibles, musique brute et textes poignants, Zazie nous livre un album magistral sur l’état du monde. Et il ne nous en faut pas plus pour être conquis.
Aile-P, le nouvel album de Zazie est désormais disponible sur toutes les plateformes. À retrouver en live le 13 octobre 2023, au Zénith de Paris.
Est-il réellement trop tard à cette période de l’année pour parler des newcomers ? Alerte spoiler : la réponse est non. De toute évidence.
Alors que nous arrivons à la fin de l’année, il est toujours bon de faire une petite piqure de rappel sur ces artistes qui nous ont marqué, qui se sont démarqués en 2022. C’est le cas de MALO’, jeune caennais de moins de trente ans qui a réussi à retenir notre attention avec son nouvel EP de cinq titres, Pause.
Certains ont très probablement déjà entendu parler de lui, notamment en 2017 grâce à son premier album Be/Être. Ce dernier a clairement marqué les esprits (à tel point que le magazine Le Figaro classe Malo’ comme faisant partie de la nouvelle vague de chanteur français), mais le meilleur rester évidemment à venir.
Complètement autodidacte et élevé musicalement parlant par les meilleurs, à savoir John Stone pour ne donner qu’un exemple, ce nouvel EP est la première porte « ouverte » qui nous dirige vers un avenir prometteur, qui verra le jour dès 2023. Après avoir arpenté la France et ses horizons, avoir vécu une partie de sa vie en Australie aux côtés de sa maman et assuré les premières parties d’artistes comme Vianney ou Charlie Winston, MALO’ revenait fin octobre avec un disque mature et moderne.
Musicaléomentvotre l’a écouté une dizaine de fois, c’est vrai, mais il faut dire que ce disque est d’une grande réussite.
Pause est le parfait mélange entre pop et rock, variété française et influences britanniques, musique rétro et touches de gospel… MALO’ nous livre donc un EP 100% fidèle à lui-même et authentique, qui nous prouve que même en ayant moins de la trentaine, manipuler les nombreux genres et styles musicaux qui nous entourent (sans entrer dans le « too much » et dans la caricature) est chose largement faisable.
Si nous retrouvions de belles collaborations déjà il y a cinq ans, à savoir Jean-Louis Aubert et Charlie Winston, MALO’ décide de mettre la barre encore plus haut pour ce retour en s’associant à d’autres grands noms de la musique pour réaliser cet EP. Sage (Lomepal, Clara Luciani), Hugo Lab (Bon Entendeur) ou encore Charlie Winston et les musiciens de L’Impératrice ont contribué à faire de ce disque un petit bijou de la chanson française. Dans ce dernier, on y retrouve une musique avant-gardiste, jeune, pop et fraîche, un duo (magnifique, très certainement notre titre préféré) avec la célèbre Julia Stone… soit tout ce dont on rêve de voir sous les projecteurs de la scène française.
L’occasion parfaite pour découvrir l’univers scénique de l’artiste, et d’écouter dans les meilleures conditions ces cinq nouveaux titres, extraits de Pause.
On s’y voit ?
Si tu ne peux pas te joindre à nous, sache qu’il existe toujours des solutions. En effet, il se pourrait que MALO’ revienne dans la capitale… en mars… à La Boule Noire.
Plus aucune excuse n’est valable !
PAUSE, le nouvel EP de MALO’ est disponible sur toutes les plateformes.
Si Musicaléomentvotre était tombé sous le charme d’Egosex en 2019 avec le titre Congo, il est en complètement de même en 2022. L’artiste polyvalent est de retour cette année, cette fois-ci en utilisant son propre nom, Wekaforé et en donnant naissance à un premier projet, qui soit dit en passant comprend tous les éléments pour nous plaire (du début à la fin).
Alma Mater est le premier extrait sous forme d’EP d’un projet grandement attendu : Alma Fetish, un concentré de musique qui fera danser nos âmes, qui permettra à nos émotions de prendre vie. Né au Nigéria et après avoir passé une partie de son adolescence au Moyen-Orient, c’est en Espagne que Wekaforé a décidé de poser ses bagages il y a quelques années de cela. Dans un premier temps destiné à intégrer une école de stylisme, l’artiste pluridisciplinaire a surtout retenu notre attention grâce à sa musique (bien que sa carrière d’artiste « touche-à-tout » prenne de plus en plus d’importance).
Wekaforé mêle la musique à la mode, la mode à l’audiovisuel, l’audiovisuel à la musique. Et c’est extrêmement appréciable.
Alma Mater est un mélange d’influences passant alors des origines de son auteur, de voyages, d’Arts multiples et de cinéma, créant alors une fusion parfaite de tout ce que Wekaforé souhaite nous transmettre : les plaisirs les plus profonds de l’âme. Pendant les un peu plus de vingt minutes que dure cet EP, lâcher nos corps et les laisser danser à notre bon vouloir n’est plus tabou, et l’espace temps perd extraordinairement toute sa temporalité.
Si ce premier essai nous a conquis en l’espace d’une fraction de secondes, il nous tarde de découvrir ce que Wekaforé nous réserve pour la suite. En tout cas, nous sommes déjà certain.e d’une chose : on ne risque pas d’être déçus.
À l’occasion de la sortie imminente de son premier projet en solo, Leo Leonard, artiste aux multiples facettes, ancien membre du groupe The Pirouettes et songwriter aguerri, a accepté de rencontrer Musicaléomentvotre.
Alors que Vérités son EP six titres vient de sortir, c’est sous les (presque) derniers rayons de soleil de ce mois d’octobre que nous avons parlé musique, bien évidemment, d’amour et d’humanité, de succès et d’authenticité.
Rencontre avec Leo Leonard et son premier disque en solo : Vérités.
Musicaléomentvotre : Bonjour Leo, comment tu vas ?
Leo Leonard : Bonjour, ça va et toi ?
M : Ça va super, merci. Est-ce que tu peux te présenter à ceux qui ne te connaissent pas encore ?
L.L : Je m’appelle Leo Leonard et j’ai commencé la musique très jeune au sein d’un groupe qui s’appelait Coming Soon, que j’avais avec mon frère et d’autres garçons, on venait d’Annecy. Après plusieurs années et un petit succès, j’ai commencé ce projet qui s’appelle The Pirouettes avec mon ex-copine, Vickie Chérie. Ça a bien marché également, on a fait trois albums, plein de concerts et… me voilà aujourd’hui en 2022, pour la première fois en solo !
M : Et qu’est-ce qui t’a donné envie de revenir cette fois-ci en solo ?
L.L : Je « reviens » en solo finalement, parce que la vérité c’est que j’avais déjà sorti un mini album quand j’étais tout jeune, à 13 ans… mais pour rigoler, c’était le début. Aujourd’hui, ça me semblait être la continuité logique en fait. J’ai l’impression que c’est une étape par laquelle tous les artistes passent à un moment. Il faut se retrouver seul face à soi-même, pour voir de quoi on est capable sans l’aide des autres.
M : Et d’ailleurs, ton premier EP Vérités sort ce vendredi 28 octobre. Comment tu te sens ?
L.L : Enfin ! Je suis assez pressé car mine de rien ça fait un an qu’on est sur ces morceaux et j’ai envie qu’ils sortent… pour pouvoir en faire d’autres et préparer la suite.
M : On y voit bien le côté pop que je connaissais dans The Pirouettes, mais j’ai l’impression que tu te libères un peu plus, que peut-être le fait d’être en solo t’a ouvert de nouvelles portes ?
L.L : Oui car maintenant j’écris pour moi et non plus pour deux têtes, ce qui me permet d’être plus personnel et introspectif dans les thèmes abordés.
M : Dans ce premier disque, tu parles beaucoup d’amour et de tout ce rapport à l’humain, à la célébrité comme dans Ma vie de star. Qu’est-ce qu’on peut retrouver finalement dans cet EP ?
L.L : Quand j’écris, je laisse un peu parler l’inconscient et au final c’est presque la mélodie qui guide le texte. C’est la raison pour laquelle j’ai vraiment fait un assemblage des chansons que j’avais telles qu’elles m’étaient venues. C’est vrai que je parle plus facilement de l’amour car c’est le thème qui me semble être le plus universel. Et puis je suis à l’aise là-dedans ! J’aimerais peut-être aborder des sujets plus sociétaux, faire des chansons écolos… ce serait bien, c’est important, mais ce n’est pas quelque-chose qui me vient naturellement. Pour l’instant je me suis concentré sur quelque-chose que je savais faire, c’est-à-dire le côté introspectif, l’amour et aussi parler forcément de mes rêves de célébrité : tout le monde peut devenir une star et je trouvais ça marrant d’en parler. On est tellement dans ce cas-là à… ne pas être très loin de la célébrité mais pas exactement. Et surtout que la vie de star ça vient, ça va, tu peux connaitre un succès qui redescend. C’est un peu ce que je vis avec mon projet solo maintenant. Je repars à zéro.
M : Est-ce que tu peux également nous parler de tes influences, car il y a beaucoup de pop (mais pas que ça) ?
L.L : On en parlait beaucoup avec The Pirouettes : il y a aussi beaucoup de variété française, des années 80, France Gall, Michel Berger, Christophe, Yves Simon… c’est une base qui m’a donné envie d’écrire en français. J’écoute aussi beaucoup de rap français car il y a un grand nombre de rappeurs qui écrivent bien, ça m’inspire. J’écoute de la pop, Justin Bieber notamment : c’est mon artiste favori, c’est mon Dieu *rires*. Je trouve ça cool d’avoir finalement quelqu’un en tête et de se dire « comment lui il le ferait ? ». Je n’ai pas le même niveau de chant que lui mais j’essaye !
M : Oui et puis tu le fais à ta manière et avec tout ce que tu sais faire, sans copier quelqu’un.
L.L : Ça c’est clair. Je trouve ça aussi intéressant d’avoir un artiste international… si j’essayais de ressembler à un artiste français oui, je copierais. Mais là, la langue fait que c’est différent. En tout cas, je n’ai pas l’impression de copier qui que ce soit en France, et ça c’est cool parce que parfois j’écoute des choses et je me dis « ça ressemble beaucoup à untel », et je trouve ça dommage.
M : Disons que tu perds un petit peu l’authenticité que toi tu essayes de retransmettre finalement. Je trouve que toi ça marche bien. C’est un EP « authentique ».
L.L : Merci ! Pari réussi.
M : Et tu appréhendes comment ce retour ?
L.L : Justement je veux retrouver toutes ces personnes qui m’ont aimé à un moment en continuant à faire des chansons, je me renouvelle. The Pirouettes ne pouvait pas être éternel, on a fait ce qu’il fallait pour rester dans la tête des gens et maintenant c’est un nouveau challenge.
M : Je reviens un peu sur le disque. Tu disais que la mélodie guidait un peu tes textes, comment est-ce que tu as été accompagné sur ce projet ?
L.L : Ça dépend. Souvent je pars d’une démo que je fais seul avec quelques arrangements basiques pour accompagner mes mélodies de voix et puis je travaille avec un arrangeur. Là il s’agit de Schumi1, qui a chapoté tout l’EP ; c’est une super rencontre, un mec très talentueux et très bon musicien que j’ai rencontré quand on a fait le feat avec Zuukou Mayzie, il avait fait l’instru. J’ai aimé sa vibe et je lui ai proposé directement qu’on travaille ensemble pour mon solo car ça a matché. C’est d’ailleurs la première personne que j’ai envie de remercier car c’est un peu avec lui qu’on a fait l’EP, main dans la main. Après, il y a eu d’autres collaborateurs notamment sur le morceau Vallée Verte avec Alex Van Pelt qui est mon ami de toujours et qui était dans Coming Soon. Il y a aussi Marty Bogo avec qui j’ai fait le titre Vu d’en haut. C’est un peu comme ce qu’on avait fait avec The Pirouettes jusqu’à présent : seul ça n’aurait pas été un rendu aussi satisfaisant.
M : C’est vrai qu’on dit que tout le monde peut faire de la musique seul de nos jours, mais en réalité ça demande un peu d’accompagnement.
L.L : Ouais, c’est difficile d’avoir du recul sur ce qu’on fait et c’est toujours bien d’avoir la vision de quelqu’un d’autre. En réalité c’est rare les gens dans la musique qui font tout tout seul. Il y a peut-être Kevin Parker (Tame Impala) qui le fait, mais il n’y en a pas tant que ça !
M : Ça fait aussi partie du « côté humain » de la musique, que toi tu mets bien en avant dans ton EP.
L.L : J’essaye de parler à un maximum de gens dans mes textes et j’essaye de me mettre à la place de ce que tout le monde ressent. J’ai conscience qu’on est tous humains et égaux, qu’on a tous des sentiments, et j’essaye de rendre mes textes parlants pour le plus de gens.
M : C’est ça la musique de toute façon !
L.L : C’est tout à fait ça !
M : Et, qui dit sortie d’un projet dit forcément… le live. Est-ce que tu peux nous teaser un petit peu ce qui va se passer ?
L.L : On sera deux sur scène. Moi à la batterie et au chant et mon acolyte Alex avec qui j’ai fait Vallée Verte à la guitare. Ça va franchement être très bien ! J’ai trop hâte de faire mon premier concert, le 10 décembre au Pop Up ! du Label, pour commencer modestement.
M : Et du coup, il est comment ton rapport à la scène ?
L.L : J’adore ça justement ! C’est aussi pour ça que j’ai envie de faire des lives très vite car c’est le moment où tu vas à la rencontre de ton public, et tu récoltes les fruits de ton travail. Tu te rends compte que des gens se sont approprié tes morceaux, qu’ils les connaissent. En tout cas, la connexion qu’on avait avec le public de The Pirouettes était géniale. Avec Vickie, le live c’était la raison pour laquelle on faisait tout ça. J’ai hâte de reprendre avec Leo Leonard mais je me mets un peu en difficulté dans la mesure où je ne vais pas juste prendre le micro et jouer avec un groupe. Cette fois j’ai vraiment envie de participer à l’élaboration de la musique sur scène en gardant la batterie qui est mon instrument principal et chanter. Je suis debout à la batterie, un peu comme dans Velvet Underground. Voilà, c’est la réf’ !
M : C’est rare ! Et alors tu dirais qu’avec le temps tu es devenu plus team studio ou team scène ?
L.L : Je ne sais pas s’il faut être team l’un ou l’autre, c’est complémentaire et les deux sont franchement kiffants. Je peux vraiment ressentir des moments d’euphorie aussi bien sur scène qu’en studio quand quelque-chose marche, que tu es content de ce que tu as ou même au moment de la composition. C’est ce qui est intéressant : c’est beaucoup de travail, de remise en question et de douleur de créer des choses… mais quand ça marche, tu ressens un truc que tu ne ressens dans rien d’autre, c’est la satisfaction. Et, c’est ce que je recherche tant en studio que sur scène.
M : Je vois ! Et je vais donc arriver à ma toute dernière question : pourquoi écouter Vérités ?
L.L : Il faut l’écouter car il est entrainant, catchy avec des textes profonds qui peuvent faire réfléchir. Et la cover est très belle ! *rires*
Vérités, le premier disque solo de Leo Leonard est maintenant disponible. Et à écouter très fort pour prolonger les beaux jours. Il sera à re-découvrir sur notre scène préférée le 10 décembre : au Pop Up! du Label.
Ceux qui connaissent Oete depuis ses débuts savent à quel point cet artiste a tout d’une grand star.
Revenons un brin en arrière. En juin 2021, l’artiste récemment signé chez Roy Music sortait son tout premier single, HPV. Peu de temps après, Oete se mettait dans la peau de Niagara et reprenait le titre à très gros succès Pendant que les Champs Brulent ; en septembre de cette même année naissait La tête pleine, soutenu notamment par France Bleu. Enfin, mars 2022 marquait le début d’une ascension qui ne prendrait pas fin de sitôt avec le clip de Défense, extrait de son premier album.
Aujourd’hui, Oete continue de faire parler de sa musique sans frontière en nous présentant son premier album, Armes et Paillettes.
Une voix qui porte, grave, aérienne et subtile à la fois. Une musique tout droit sortie d’une époque révolue, mais qui mérite tout de même de vivre son second souffle. Des paroles fortes, écorchées et lumineuses sur un fond de musique moderne et hybride. Et Oete dans tout ça ? Un artiste qui n’a pas peur de se munir de Paillettes à outrance, d’habits de lumière tantôt réservés tantôt à la David Bowie, pour se confier à un public qui ne cesse de grandir, encore et encore…
Thibaut Blond de son vrai nom est un poète des temps modernes, un artiste qui mélange les codes traditionnels de la pop avec des sonorités qui lui appartiennent afin de remettre au goût du jour ce genre musical parfois critiqué et non reconnu à sa juste valeur. Bienvenus dans l’ère de la « variété alternative ».
À travers Armes et Paillettes, ce premier album de neuf titres, Oete chante une soif d’émancipation, de liberté en usant de la poésie comme thérapie, sur fond de disco ou encore de new wave, le tout pour nous faire danser librement et sans en avoir peur, sur nos plus belles névroses. Oete est très probablement un des artistes les plus prometteurs de sa génération, que ce soit au niveau de ce disque que nous pouvons désormais découvrir partout, ou au niveau de son lien avec le public.
Sur scène, c’est un véritable show que le chanteur nous offre. Un spectacle dans lequel on danse et on pleure, parfois les deux en même temps. Car Oete est un artiste vrai, qui donne corps et âme une fois qu’il met un pied sur une planche semblable à une scène.
Ce premier album sera à découvrir le 6 avril aux Étoiles, salle qui porte si bien son nom lorsqu’on y associe Oete.
Armes et Paillettes, premier disque d’Oete qu’il fait bon d’écouter d’une traite, est disponible partout. À écouter sans modération.
Camille et Robin, artistes et frères et soeurs dans la vraie vie, ont la musique dans le sang ; et pour cause : leur mère est elle-même musicienne. Années après années, le duo évolue avec la musique qu’il écoute, passant alors de simples écoutes des Gymnopédies d’Eric Satie aux devants de la scène, notamment aux côtés d’Emilie Simon, des Dø ou encore de Pete Doherty. À l’adolescence, la musique prend un tournant qui changera le cours de leur vie : elle devient alors vitale, à tel point que Camille et Robin décident de ne faire plus qu’un en créant Black Lilys.
Après un EP en 2014 (Memories of a Blind Mind) et un premier album en 2018 (Boxes), Black Lilys revient aujourd’hui avec un album très attendu : New Era.
Depuis ses débuts, le duo unit ses forces et ses influences afin de créer et de partager une musique qui lui est propre : contrastée, puissante et sensible. Si le premier album de Black Lilys a su marquer les esprits, notamment avec le titre Nightfall choisi pour faire partie de la B.O de la série espagnole Elite, ce nouveau disque saura en faire tout autant.
New Era est un album d’une grande justesse, doté d’une urgence très sincère tant dans ses textes que dans sa musique pop, folk et tantôt rock. À travers ce disque, Camille et Robin n’hésitent pas à se mettre à nu, à composer des musiques poignantes aux rythmes épiques, et à mélanger différentes textures sonores et musicales, dans le seul but de n’en garder plus qu’une : celle de Black Lilys.
New Era est désormais disponible sur toutes les plateformes. Le duo est à retrouver le 25 novembre sur la scène du Backstage By The Mill pour célébrer sa ère nouvelle.
Initiée dès son plus jeune âge par le hardcore ou encore le punk, la chanteuse mi-péruvienne mi-canadienne a parcouru un long chemin avant d’en arriver jusqu’aujourd’hui. Emma Beko vient de sortir la deuxième partie de son album à deux parts, Superficial Stains (et c’est vraiment très beau).
Nul doute, cette dernière a trouvé sa voix et sa voie, qui s’éloignent de la sphère rock dans laquelle elle a grandit.
Après avoir vécu une première expérience en duo il y a une décennie, Emma Beko trouvait il y a près de deux ans l’envie de (re)faire de la musique en solo, pour elle et selon ses envies. Il est clair que depuis 2010, son univers musical a plus qu’évolué.
Aujourd’hui, l’artiste aux multiples influences et origines nous présente un EP de six titres alternatifs (afin de varier les plaisirs, évidemment).
Emma Beko, c’est une voix un brin roque et modeste, qui n’a besoin d’aucun artifice pour être appréciée. C’est une artiste qui reste fidèle à ses premiers amours, tout en tirant tout de même vers une certaine délicatesse au fur et à mesure que l’EP défile dans nos oreilles. Superficial Stains, c’est un concentré de musique hip-hop et de rap, avec une touche de soul et de pop, le tout porté par des batteries plus rock.
C’est un disque hybride et intriguant, cru et puissant, qui saura retenir l’attention de quiconque décidera de l’écouter.
Pour découvrir ce nouveau talent en réalité augmentée rendez ce jeudi 20 octobre aux Trois Baudets. Un concert à ne pas louper.
On ne présente plus Mademoiselle K. Son dernier album, Sous les Brûlures l’incandescence Intacte marquait le retour de la chanteuse sensible et rock. Connue notamment pour le succès de titres comme Jalouse ou encore Ça Me Vexe (issus de l’album du même nom en 2006), Katerine Gierak de son vrai nom n’a pas dit son dernier mot.
Aujourd’hui, Mademoiselle K est plus que jamais de retour avec un sixième album, Mademoiselle K.
Mademoiselle K est un disque qui regroupe cinq années d’écriture et de composition, pour garder onze titres qui constituent cet album de 35 minutes. Sa première particularité ? Il n’a pas été créé seul. En effet, plus de 2000 fans ont contribué à la naissance ce dernier grâce à la plateforme Ullule, pionnière du crowdfunding. Et tant mieux.
Ici, Mademoiselle K nous chante la vie sur fond de guitares électriques ou de guitare acoustique, toujours accompagnée par sa voix reconnaissable parmi de nombreuses autres : un brin cassée et alarmante, mais toujours avec beaucoup de sensualité. C’est un peu ce qui fait qu’on l’aime tant depuis des années, non ?
Mademoiselle K chante des chansons qui s’écoutent seul.e ou à deux, sur une enceinte avec le volume tourné au plus fort ou au contraire tout bas pour discerner chaque note de l’album, en faisant corps dans une salle de concert ou tapi dans le noir. Ce disque permet à cette grande chanteuse de se faire entendre une nouvelle fois, en proposant une poésie qui lui est propre et dont on ne se lasse pas.
Mademoiselle K, l’album éponyme, est disponible depuis le 14 octobre.
On y parle d’Intensité et de Tendresse, de Garçon Bleu et de CRS, de Chloroforme ou encore de Sueur, et bien que ces mots puissent parfois paraitre bien simples, il nous fait du bien de les entendre chantés par une grande Dame du rock français et féminin.
Mademoiselle K jouera à La Cigale le 21 novembre (et ça risque d’être intense).
Thomas Guerlet – qu’on se présente plus – fait partie des artistes qu’il serait normal d’écouter en boucle et avec toujours autant d’admiration quant à sa musique. Le multi-instrumentiste, interprète, compositeur, arrangeur ET producteur français est de retour avec un nouveau bijou.
How Strange To Be Anyone ?, son premier album, est disponible sur toutes les plateformes.
Ce premier disque est un recueil de belles choses. Si Thomas Guerlet s’est vu commencer à Liverpool en faisant une cinquantaine de dates en piano-voix, sa carrière est désormais plus que prometteuse. How Strange To Be Anyone ? est composé de onze titres qui mettent en exergue toutes les facettes et influences du frenchy (qui peuvent nous rappeler King Krule ou encore Serge Gainsbourg), ses souvenirs de voyage de l’autre côté de la Manche et la nostalgie qui en ressort, ses premiers émois et ses doutes.
Porté par une musique aux airs tantôt rock, tantôt jazzy, ce disque est une réelle balade à travers laquelle nous retrouvons un esprit de crooner dans une âme de grand sensible : tout ce qu’on aime.
Il nous fout les frissons quand on l’écoute.
À seulement 24 ans (presque tout juste), Thomas sait manier cet instrument qu’est la voix avec une grâce remarquable. Si cette dernière un brin tremblotante a su charmer Musicaléomentvotre en 2020, lors d’une première écoute quelque peu innocente, cet album confirme toutes les attentes que nous avons pu avoir depuis cette période : on retrouve dans ce disque des beaux textes, des aigus et des graves gérés à la perfection, une formation musicale qui nous tient en haleine et enfin, une authenticité et une sensibilité hors normes.
Thomas Guerlet nous fera l’honneur de présenter son premier album How Strange To Be Anyone ? le 23 novembre, sur la scène de La Boule Noire. Et nous, on y sera bien évidemment. Peut-être même en première ligne.
Tout commence en 2020 lorsque Adrien et Clément, tous deux passionnés de musique et de films signés Takeshi Kitano, visionnent le fameux film « Kids Return ». Cette oeuvre, qui plait autant au mélomanes qu’aux cinéphiles leur donne l’envie de se lancer purement dans la musique, et de créer à leur tour la B.O de leurs vies. C’est à ce moment que le duo se forme, dans le but de composer une musique intemporelle, mêlant ces deux arts : la musique et le cinéma.
Kids Return est né après un voyage à Los Angeles, malheureusement écourté par la crise sanitaire, mais ayant tout de même permis à ce projet de naître. Alors qu’ils annonçaient fin août que leur premier album Forever Melodies sortira le 7 octobre, les français reviennent aujourd’hui avec un nouveau clip : Lost In Los Angeles.
Lost In Los Angeles est probablement un des titres les plus poignants que le duo a pu composer.
A travers ces images réalisées par Tara Jay Bangalter, on découvre petit à petit la genèse de Kids Return, les débuts de toute cette aventure musicale qui petit à petit prend de plus en plus d’ampleur. Si les deux garçons viennent de terminer une première tournée aux quatre coins du monde, il aura pourtant fallut passer par des hauts et des bas pour en arriver jusqu’ici. Ce nouveau titre l’explique de lui-même : le voyage réduit à L.A et le retour à Paris, mais aussi les promesses de fidélité, de confiance et surtout d’amitié que Clément et Adrien se sont faites.
Kids Return, c’est un mélange de pop et de poésie, de mélancolie et de naiveté, de vintage et de moderne, soit tous les bons ingrédients afin de créer une musique qui restera ancrée dans leur génération (et bien plus encore). Une musique qu’on qualifiera de pérenne.
En plus d’avoir annoncé la sortie de Forever Melodies, le duo sera de retour dans les salles de concert.
Et quoi de mieux que vivre cette musique à 100%, dans l’emblématique salle de La Cigale ? Rendez-vous le 14 mars 2023 pour vivre la bande originale de Kids Return.
Coline Blf a une âme d’artiste. Elle sublime tout ce qu’elle touche, de près ou de loin.
Ca a commencé en 2017 sur YouTube alors qu’elle poétisait déjà les choses simples de la vie, sous forme de vidéos. Et puis vint l’été 2020 où l’envie d’écrire et de composer des chansons était plus forte que tout. Pendant ces deux dernières années, Coline a chanté, a écrit et a composé son premier disque.
Après avoir sorti en janvier Luna, Coline Blf est aujourd’hui de retour avec un nouveau clip : Ivresse.
Mettant à l’honneur ses qualités d’auteure et d’interprète, Ivresse est une réelle ode à la jeunesse et à tout ce qui en est lié : la naiveté, la liberté et les amours d’antan. Entre pop et poésie toujours mélangées finement, Coline Blf nous raconte l’été de ses dix-huit ans.
A travers ce clip réalisé par NITRAM, la chanteuse belge est plus disco et solaire que jamais. Et à travers ces images, le téléspectateur et auditeur retombe dans sa propre jeunesse. Cette époque où on aime démesurément, où on danse jusqu’au petit matin et surtout, ce moment où on se fout de tout, comme nous le chantait déjà Rose en 2009. Coline Blf nous livre un second extrait entêtant, dont le refrain nous reste dans la tête (et quel plaisir). A la même occasion, la chanteuse dévoilait aujourd’hui la cover de son EP.
On aime la pop, on aime la mélancolie, la légèreté des paroles et le côté disco / vintage qu’apporte Coline Blf. Et bien sur, on l’aime elle, et on a hâte de découvrir les cinq titres qui composent BLUE NOSTALGIA. Rendez-vous le 23 septembre.
Inutile de choisir entre « lover italien » ou « rappeur moderne » pour décrire [Adrian] Murgida. Infatigable et doté de toutes les ressources possibles et inimaginables, le comédien, cascadeur et multi-intrumentiste français nous fait l’honneur d’ajouter une nouvelle corde à son arc : la musique.
Si ce premier EP portant le nom de 3007 s’inspire évidemment de la pop actuelle, Murgida n’hésite cependant pas à allier multiples influences pour créer une musique qui lui est propre. À travers cinq titres hybrides, passant donc de la pop au rap en effleurant des touches « lo-fi », Murgida nous invite à découvrir une nouvelle facette de son univers.
3007, c’est un trip offert pour faire Paris – Italie. Mais c’est également l’occasion pour Murgida de déconstruire (un brin) son image d’italo-lover, qui reste pourtant une des clés principales de ce disque (pour notre plus grand plaisir). Ainsi, le chanteur parisien mélange chanson nostalgique et flow nonchalant, laissant apparaitre une nouvelle voix / voie et un second souffle au rap actuel.
Si Murgida « ne sait toujours pas ce qu’il fait là, mais qu’il le fait quand-même » d’après ses propres dires, nous, on est bien content.es d’avoir ce premier disque sous la main. D’ailleurs, 3007 est à commander au plus vite (avant épuisement des stocks) : il suffit simplement de suivre ce lien.
Il nous tarde de découvrir ce caméléon touche-à-tout sur scène.
La fin des années 80 donnait naissance à un des artistes les plus prometteurs de sa génération. Et pour preuve, en 2007 sortait These Streets, un premier album qui a su conquérir un public nouveau, permettant même au chanteur italo-écossais d’avoir son moment de gloire dans la mythique émission de Naguy, Taratata. Suivait deux ans plus tard un second album, Sunny Side Up, tout autant acclamé par le public. Le dernier disque en date était Caustic Love, quatrième album le plus vendu au Royaume-Uni en 2014.
Et depuis, plus rien.
En juin de cette année, alors que plusieurs annonces de participations à des festivals venaient nous titiller depuis fin 2021, Paolo Nutini sortait deux nouveaux titres (dont un accompagné d’une live session). Through The Echoes et Lose It signaient bel et bien le retour tant attendu du chanteur, auteur, compositeur. Et puisqu’on n’attendait plus voire pas du tout un retour aussi soudain, l’émotion fut énorme lors de cette sortie.
Comme une nouvelle n’arrive que très rarement seule, il fallut tout enchainer : la sortie d’un troisième titre Shine A Light, puis d’un double single : Petrified In Love et Acid Eyes, sans compter l’annonce d’un quatrième album et de nouveaux concerts – dont un à Paris déjà complet.
Last Night In The Bittersweet, quatrième album studio a vu le jour ce 1er juillet.
Avec cet opus numéro 1 dans les charts devant celui d’Harry Styles, Paolo Nutini a décidé de revenir subtilement : seize nouveaux titres s’ajoutent à sa discographie – ou l’équivalent d’1h12 de musique. Comme à son habitude, le prodige pop / soul / rock à la voix reconnaissable parmi mille n’a pas cessé de s’imposer comme étant le crooner des temps modernes, avec des influences à la Johnny Cash ou encore à la Fleetwood Marc.
Mais ce qu’on retient le plus de cet album, ce qu’on aime à chaque fois chez cet artiste, c’est évidemment la manière dont il parle de ses histoires, dont il fait de ce disque un « journal intime » ; la manière dont la nostalgie et la mélancolie sont chantées, la manière dont les ballades et les riffs de guitare sont amenés.
Last Night In The Bittersweet est encore une fois une preuve que Paolo Nutini est un artiste qui, malgré les années d’absence sait comment revenir humblement, sans artifice mais avec une délicatesse qui ne cessera de sublimer nos oreilles. Si l’industrie musicale avait besoin d’un retour comme celui-ci, il en est tout autant pour toutes les personnes qui avaient besoin d’une dose d’énergie dans leurs vies.
Paolo Nutini sera en concert à La Cigale le 3 octobre 2022. Last Night In The Bittersweet, disponible depuis le 1er juillet sur toutes les plateformes.
Il existe parfois des voix qu’on peut entendre une seule et unique fois, et qui resterons pourtant gravées dans nos esprits. C’est le cas de celle de Thomas Guerlet, artiste parisien né à la fin des 90’s et qui depuis qu’il s’est mis à chanter nous fout les frissons.
A l’occasion de la sortie de son premier album prévu pour la rentrée, Thomas, multi-instrumentiste et crooner en devenir, nous dévoilait fin juin le quatrième extrait de son futur bijou. S’il nous tarde de découvrir How Strange To Be Anyone, en voici un nouvel aperçu. Et encore une fois, il fait l’unanimité ici.
Thomas Guerlet, c’est une voix grave presque écorchée vive sur des mélodies plus douces. Ce sont des inspirations venues de France (Léo Ferré) comme d’Angleterre (King Krule), le tout rassemblées sur un vibrato qui ne nous laisse pas indemne.
Dans Can’t You See, Thomas Guerlet aborde le thème de l’amour et ses dérivés, la passion et l’essoufflement, l’amour fou et ses douleurs. Mélangeant le rythme traditionnel du jazz, le côté frissonnant de la soul et des variations vocales, plus pop et maitrisées à la perfection, il nous est évidemment impossible de ne pas tomber sous le charme de l’artiste, qui a déjà conquis les coeurs de Benjamin Biolay et d’Adrien Gallo.
Vivement la suite.
Thomas Guerlet en concert: Juillet 2022 : Pete The Monkey 9 septembre 2022 : Festival Volcan de Nuits
À 27 ans, il nous vient tout droit de la Côte d’Azur. Passé par Nice, Londres, Paris et puis New-York, par une école de commerce et par un conservatoire de jazz où il a fini doublement diplômé, Andreas nous offre désormais son premier EP, PARIS NICE.
Andreas, c’est un auteur-compositeur et interprète. C’est le fruit de trois premiers titres entre 2020 et 2021. C’est un apprentissage de la contrebasse et de la batterie jazz en conservatoire, et une pratique de la guitare et du piano en autodidacte. Enfin, c’est un de ces artistes qui apportent un second souffle à la pop traditionnelle.
Les thèmes sont abordés avec finesse, chaque mot est choisis avec habileté. PARIS NICE est un projet retraçant les dernières années de l’artiste niçois, ce dernier ayant été « contraint » d’écrire et de composer ces titres lors du confinement, depuis un appartement en plein coeur de la capitale.
PARIS NICE, c’est cinq titres qui rassemblent en quelques vingt minutes toutes les influences d’Andreas : c’est pop et jazzy, solaire et frais, un mélange de ballades et de futurs tubes. C’est l’envie de créer une musique grand public, tout en restant dans la subtilité de l’intime.
Après avoir été playlisté sur l’Alternative Française d’Apple Music (avec le titre Partenaires), avoir présenté ses titres sur la scène mythique des Folies Bergères, et après nous avoir prévenu que « Ce n’est que le début« , le meilleur reste à venir (dès cet été) pour Andreas.
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